« Kingsman : Le Cercle d’Or » : marrant, mais macho !

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movie challenge 2017

Alors qu’Eggsy s’apprête à rencontrer les parents royaux de sa dulcinée suédoise, il est attaqué par Charlie, un recalé des sélections Kingsman. Pire : des missiles détruisent sa maison et son QG. Heureusement Eggsy peut compter sur le soutien de Merlin…

Movie challenge 2017 : un film qui est la suite d’un autre film

Je savais que j’irais voir ce film depuis que j’avais découvert tardivement le premier opus, au point d’avoir créé cette catégorie du Movie challenge spécialement pour lui préparer une place de choix.

Je m’étais laissée séduire par le premier Kingsman, dont j’avais apprécié le côté parodique irrévérencieux, ainsi que l’aspect « film d’apprentissage » qui voyait évoluer le jeune Eggsy grâce à son mentor Harry Hart.

Dès les premières minutes, Matthew Vaughn nous entraîne dans le même rythme effréné que celui du premier volet. Combats chorégraphiés, méchants bioniques, gadgets en tout genre, explosions à tire-larigot… le côté James Bond parodique est bel et bien de retour et ne laisse pas le temps au spectateur de s’ennuyer, en dépit de la longueur du film (2h21). C’est fun, pétaradant et décalé comme on aime ! Cette fois-ci, les Kingsmen luttent contre des adversaires de choix, en particulier Poppy, baronne de la drogue incarnée par Julianne Moore. On sent que le succès du premier film a permis au réalisateur d’avoir de l’ambition côté casting, puisque les Kingsmen rencontrent leurs homologues américains, les Statesmen, qui comptent dans leurs rangs Halle Berry, Channing Tatum, Pedro Pascal et Jeff Bridges.

J’ai aimé le côté encore moins réaliste que le premier film : les scénaristes se moquent totalement de la crédibilité, seul compte le divertissement. Ce deuxième Kingsman se regarde vraiment comme une comédie, une parodie, une sorte de Moi, moche et méchant pour adultes !

Cependant, je trouve que le film n’est pas à la hauteur du premier sur deux plans majeurs : d’une part, l’évolution des personnages principaux. Hormis Harry, qui connaît un parcours permettant à Colin Firth de déployer un peu son jeu, les autres personnages issus du premier film sont assez vite expédiés, à commencer par l’agent Roxy/Lancelot, et c’est bien dommage. Eggsy lui-même a en partie perdu son côté attendrissant, et pas seulement parce que Taron Egerton a l’air plus adulte. Le personnage a plusieurs fois l’occasion de se montrer bête voire niais, que ce soit par des erreurs ou des scènes d’émotion parfois excessives. LE personnage dont l’évolution est à mes yeux intéressante, c’est Merlin (Mark Strong), définitivement le plus sympathique de la bande. À ce titre je trouve que les choix scénaristiques le concernant sont regrettables.

Mais j’aurais pardonné ces défauts si les personnages féminins n’étaient pas totalement stéréotypés et inintéressants. Ok, Poppy est une femme puissante à la tête d’un réseau de drogue, mais on sait bien qu’elle va perdre face aux Kingsmen. Roxy ne sert quasiment à rien, la copine de Charlie n’est là que pour être manipulée (au sens propre !) dans le but d’atteindre son mec (d’ailleurs toute l’histoire du mouchard à poser sur elle m’a fait rire jaune), et je ne parle même pas de la copine d’Eggsy : la jeune femme qui semblait avoir un peu de piquant dans le premier film est ici complètement fade, une vraie princesse attendant que son prince la sauve (j’ai envie de me pendre en écrivant ces mots). Seule Ginger Ale (Halle Berry) fait preuve d’un peu d’initiative, et on compte vraiment sur elle pour relever le niveau côté personnages féminins dans le prochain volet !

Ce film divertissant atteint son but mais j’espère que le réalisateur et les scénaristes entendront les critiques pour éviter le côté macho et creuser un peu les personnages dans le troisième film !

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« Grave » : méfait accompli !

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Justine, comme ses parents, est végétarienne et respectueuse des animaux. Elle entre donc en école vétérinaire et y retrouve sa sœur Alexia, en deuxième année. Lors d’un bizutage, Alexia force Justine à manger un rein de lapin…  

Movie challenge 2017 : un film d’horreur

 « Ne jamais dire jamais », vous connaissez ? Le dicton résume mon histoire avec le film de Julia Ducournau. Quand j’ai entendu dire que des spectateurs s’étaient trouvés mal lors des premières projections, j’ai dit « Jamais je n’irai voir ça », petite nature que je suis. Pourtant, lorsqu’il a fallu choisir un film d’horreur pour le Movie challenge, en évoquant des titres avec mon amoureux, je me suis surprise à lancer « Ou sinon, Grave ? ». Ma curiosité l’avait emporté, c’était trop tard pour reculer.

Au début j’ai été un peu sceptique, parce que je ne comprenais pas trop le cursus de Justine, dans un établissement entre fac et grande école (j’ai mieux compris en apprenant que l’histoire se déroule en Belgique). En revanche, j’ai été reconnaissante à la réalisatrice de dénoncer le bizutage et l’ambiance pesante des écoles « élitistes », que ce soit en raison du comportement des élèves (les premières années sont carrément harcelés par les anciens) ou des profs (l’un d’eux pousse Justine à dénoncer un camarade).

Car pendant au moins une demi-heure, le sujet du film est la vie d’une jeune fille mal à l’aise dans l’école dans laquelle elle débarque. Bien sûr il est aussi question du respect des droits des animaux et du véganisme mais je trouve qu’on a vraiment fait un faux procès au film à ce sujet : on ne peut absolument pas comprendre que le véganisme serait la cause des pulsions cannibales de Justine. Au contraire, c’est pour éviter que celles-ci n’adviennent qu’elle a toujours été vegan (ma phrase est volontairement assez peu explicite pour ne pas spoiler, mais le film est très clair à ce sujet, je vous l’assure). Donc, pendant un bon tiers, la réalisatrice a pris le temps d’installer ses personnages et je lui en sais gré. En effet, même si j’émets des réserves sur Alexia, la sœur qui me semble clairement méchante par moments, j’ai trouvé que les personnages principaux étaient vraiment captivants. Garance Marillier fait preuve d’un jeu exceptionnel et réussit à créer un personnage complexe : elle passe du regard de la bête assoiffée de sang (voir l’affiche) à l’ado mal dans sa peau qui se découvre féminine, tout en restant l’élève modèle un peu pénible et la jeune fille qui vit ses premiers émois. J’ai d’ailleurs adoré les scènes où son intensité, sa grâce sauvage, laissaient place à une vulnérabilité beaucoup plus banale (par exemple sa réplique sur la façon de se comporter « quand on a dépucelé une fille »).

Cette interprétation nuancée permet une vraie réflexion sur les pulsions et l’éthique, au-delà du cannibalisme : même si Justine se laisse parfois déborder, j’ai beaucoup aimé le fait qu’elle ne renonce pas à une forme de morale, notamment en essayant de protéger son gentil coloc (Rabah Nait Oufella), le personnage sympathique de l’histoire, quitte à se faire du mal à elle-même.

Et ces scènes de violence ? On ne va pas se mentir, certaines sont gore, vraiment. Cela dit, moi qui suis sensible, j’ai tenu sans me sentir plus mal que voulu par l’œuvre. Par contre certains détails sales m’ont paru assez peu nécessaires, surtout dans les soirées orgiaques. Mais globalement, j’ai trouvé l’esthétique travaillée et audacieuse.

J’ai lu que le film était à prendre au second degré, et je ne suis pas d’accord avec ça : je pense qu’il peut être lu à plusieurs niveaux en même temps. Il ne faut pas à mon sens nier le premier degré sur le cannibalisme, même si les déclarations de Julia Ducournau à ce sujet peuvent laisser perplexe (« défoncer un tabou », vraiment ?). À un moment du film, je me suis posé la question : imaginons que ces pulsions cannibales surviennent véritablement chez quelqu’un, comment cette personne peut-elle se faire aider, sauf à se faire interner ? Mais évidemment le film va plus loin que la question du cannibalisme, jusqu’à la difficulté d’être pleinement soi sans faire de mal aux autres, de concilier naturel et vie en société, et on touche là ce qui me paraît le plus intéressant dans le propos.

Après la vraie richesse que propose cette œuvre, j’ai forcément été moins emballée par la chute, présentée comme un twist, qui n’en était pas un pour moi car je l’avais vu venir à peu près depuis le milieu du film. De ce fait la scène finale ne sert pas à grand chose, sinon à faire ce que la réalisatrice dit avoir voulu éviter, tomber dans le côté inhumain du monstre de type vampire ou loup-garou.

Cela dit, cette fin n’a pas réussi à gâcher l’enthousiasme que m’a inspiré ce film (rétrospectivement, car sur le moment je ne savais pas trop quoi en penser, peu habituée au body horror). J’ai trouvé le mélange des genres assez réussi, et surtout je salue l’audace de ce premier film français. Je suis bien contente que ma curiosité m’ait poussée à dépasser mes craintes et préjugés, car ce film m’a marquée positivement !

Séance commune : « Ego »

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Sebastian mène une vie superficielle, dans l’attente de trouver une maison de disques pour sortir son album. Lorsqu’un accident le rend aveugle, sa vie change du jour au lendemain. Ses parents embauchent Mia pour l’aider dans la vie courante…

Movie challenge 2017 : un film européen hors France (Suède)

Dites merci (ou pas) à Tinalakiller, sans qui cette catégorie du Movie challenge 2017 se serait appelée « un film scandinave », car j’avais envie de continuer à découvrir et à faire découvrir ce cinéma nordique que je trouve si riche et passionnant. Et pour changer un peu du cliché du polar (Les enquêtes du département V), ou du film au sujet douloureux (La Chasse, Festen, A War…), j’ai choisi Ego. Certes, à première vue (c’est le cas de le dire), un homme qui devient aveugle, ce n’est pas à proprement parler le thème d’une comédie. Pourtant, rassurez-vous, Ego n’est pas du tout déprimant !

On ne va pas se mentir (de toute façon Tina serait là pour rétablir la vérité !), si j’ai eu connaissance de ce long-métrage de Lisa James Larsson, c’est avant tout grâce à sa tête d’affiche Martin Wallström. Pour ceux et celles qui ne le connaîtraient pas, l’acteur incarne le « méchant » dans Mr.Robot, Tyrell Wellick (à mes yeux le personnage le plus complexe et intéressant de la série). Et je dois lui reconnaître un certain talent pour donner vie à des personnages détestables. Car, même si ce n’est pas un psychopathe comme Tyrell, Sebastian est plutôt insupportable : imbu de lui-même, il se trouve bourré de talent et passe son temps à s’occuper de son look, à traîner dans l’arrière-boutique du magasin où il est censé travailler et à sortir en boîte avec son groupe d’amis, ramenant chez lui des filles différentes à chaque fois. Le tout grâce à l’argent de ses parents. Bref, une bonne tête à claques.

Et puis, Sebastian perd la vue, et sa vie se retrouve bouleversée. Même si le personnage n’était pas sympathique, j’ai été assez touchée de ses difficultés à accepter cette nouvelle vie. Je suis toujours assez sensible aux scènes relatives à la découverte du handicap (j’ai d’ailleurs été traumatisée par De Rouille et d’os), même si j’avoue que par moments il m’a semblé que l’acteur avait le regard trop mobile pour quelqu’un censé ne pas voir.

C’est surtout à partir de l’entrée de Mia dans la vie de Sebastian que le film gagne en intérêt. La jeune femme incarnée par Mylaine Hedreul est l’antithèse de Sebastian : elle est fraîche et franche, douce et patiente, et bien sûr, comme on pouvait s’y attendre, elle va peu à peu lui redonner goût à la vie. J’ai trouvé cette actrice, que je ne connaissais pas jusque-là, absolument adorable dans ce rôle de girl next door. Grâce à elle, le film prend une dimension plus humaine à mesure qu’elle permet à Sebastian d’écrire des paroles de chansons plus inspirées. J’ai également apprécié le fait que les parents du jeune homme, qui avaient pourtant commencé par interroger Mia sur ses placements financiers, se montrent finalement ouverts envers elle, en dépit de la différence de milieu social.

Le film est également assez réussi d’un point de vue visuel (notamment les effets de lumière pour faire ressentir au spectateur les troubles de la vision) et musical. Les chansons originales ne sont pas exceptionnelles mais elles se laissent écouter, et Martin Wallström ne chante pas trop mal. En tout cas j’ai réussi à me départir de l’impression de voir Tyrell au karaoké, ce qui est bon signe !

Bien qu’un peu léger et convenu, le film m’a fait passer un très bon moment en compagnie de Mia et Sebbe, la preuve que la Scandinavie peut aussi produire des œuvres divertissantes et positives !

« La faille » était béante

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Ted Crawford découvre que sa femme entretient une liaison avec un négociateur de la police. Lorsqu’elle rentre à son domicile, il l’abat d’une balle dans la tête et se confesse au négociateur, justement l’amant de son épouse…

Movie challenge 2017 : un film de procès

Soyons clairs d’emblée, cette catégorie du Movie challenge ne me faisait pas envie. Je comptais sur La fille de Brest pour m’y conformer, mais voilà, on ne voit pas dans le film le procès du Médiator. J’ai donc dû me mettre en quête d’un autre métrage répondant à la définition du genre. Et force est de constater que les films de procès récents (vous connaissez ma réticence envers les classiques) ne sont pas nombreux. Hormis L’Hermine, que j’avais déjà vu et d’ailleurs bien apprécié, ou d’autres films français évoquant des procès comme Je ne suis pas un salaud ou Je suis heureux que ma mère soit vivante, mais déjà vus eux aussi.

C’est donc dans une liste sur les films de procès que j’ai repéré La faille. Un sujet digne des thrillers du dimanche soir, un réalisateur qui m’était inconnu (Gregory Hoblit), restait l’intérêt de la confrontation entre Anthony Hopkins, grand habitué des rôles de psychopathes, et Ryan Gosling jeune. Ce dernier incarne un avocat (enfin plutôt procureur dans le système judiciaire américain) insupportable de morgue et d’assurance, un peu dans la veine tête à claques de son personnage au début de Crazy, Stupid, Love. Face à lui, Hopkins est absolument fidèle à lui-même : glaçant. Le jeu du chat et de la souris qui s’installe entre les deux m’a fait penser à Prémonitions, un thriller dans lequel Hopkins est de l’autre côté de la justice et traque un tueur en série à l’aide de dons paranormaux.

Ici point de paranormal, simplement un criminel assez malin pour passer aux aveux tout en manipulant son monde de façon à se faire acquitter à coup sûr. Car pendant que Willy Beachum pense déjà à son prochain poste bien rémunéré dans un gros cabinet privé, il néglige cette affaire, et donne toute latitude au tueur pour organiser sa sortie.

Les immenses circuits à billes qui décorent la maison des Crawford sont censés représenter l’intelligence hors normes du criminel, de même que le dialogue dont le titre est issu, au sujet des défauts des coquilles d’œufs. Crawford serait celui dont la finesse psychologique lui permet de déceler les moindres failles de ses contemporains au point de pouvoir tous les berner.

Sauf qu’en réalité, alors que les gentils flics mous (dont Cliff Curtis, pas plus à son avantage que dans Fear the Walking Dead) passent la maison au peigne fin trois ou quatre fois en quête de l’arme du crime, le pistolet de Ted n’ayant pas servi d’après les rapports des experts, et que Willy ronge son frein, ne supportant pas l’humiliation infligée par sa première défaite au procès, le spectateur, lui, pourvu qu’il ait un peu de jugeote, aura rapidement deviné où se trouve en réalité la fameuse preuve après laquelle tout le monde court.

Aussi me suis-je relativement ennuyée en attendant que Willy finisse par comprendre où était l’arme du crime, à peine divertie par la présence assez mal exploitée de l’excellente Rosamund Pike, dont la romance avec l’avocat est vite expédiée.

Bref, un thriller ultra classique qui ne me réconciliera pas avec le genre du film de procès et offre à ses interprètes une partition manquant d’originalité et de mordant.

« Carol » : le grand film romantique lesbien qu’on attendait ?

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Therese travaille dans les grands magasins en rêvant de devenir photographe. Elle est fascinée par une cliente très distinguée, Carol Aird, qui a oublié ses gants au rayon jouets…

Movie challenge 2017 : un film LGBT

J’avais entendu sur ce film beaucoup de louanges, mais aussi quelques reproches au sujet de son côté classique, lisse voire froid. Je l’avais noté dans ma liste à voir mais c’est Song to Song qui l’a fait remonter au sommet de celle-ci. En effet, éblouie par Rooney Mara, j’avais hâte de me plonger dans sa filmographie.

Le début du film m’a plutôt agréablement surprise, avec un joli flashback, mis en scène de façon élégante. D’ailleurs, élégant, le film l’est de bout en bout. Dans les costumes, les décors, la façon de filmer (jusqu’aux scènes d’amour), le jeu des actrices, rien dans le long-métrage de Todd Haynes ne dévie du bon goût et d’une classe très adaptée à l’époque (l’histoire se déroule dans les années 50).

Bref, c’est beau, de bon ton, bien joué et bien filmé, et il y a même une touche de magie de Noël dans ce grand magasin où opère le charme de la rencontre entre l’adorable Therese (Rooney Mara, dans une version bonnet de Noël-fossettes des plus kawaii) et l’intimidante Carol (Cate Blanchett, dont la désinvolture quant à la question du cadeau est assez intrigante et charmante en son genre).

Malheureusement au fur et à mesure que leur relation amoureuse se noue, et que les complications dues au mari de Carol apparaissent, j’ai été de moins en moins emballée par le film. Petit à petit, l’élégance des premières images a cédé le pas à une certaine froideur, voire un côté « faux ». J’ai trouvé le personnage de Cate Blanchett tellement dans le contrôle que lorsqu’elle exprime ses émotions, par exemple en pleurant chez le juge, je n’arrivais pas à croire à sa sincérité. Certes, le carcan social de l’époque peut expliquer en partie ses réactions mais cela m’a un peu déçue.

À l’inverse, le personnage de Therese m’a paru vraiment intéressant dans sa vision de la relation homosexuelle. La jeune femme est prête à se lancer corps et âme dans cette aventure amoureuse, avec une certaine décontraction, comme si tout cela était totalement admis et normal pour les mœurs de l’époque. Ce côté très en avance sur son temps m’a séduite mais est hélas contrebalancé par une musique lyrique voire guimauve lors des scènes d’amour qui m’a paru un vrai contresens.

En réalité je n’ai pas réussi à me positionner face à ce film, ne comprenant pas s’il était censé être émouvant et dramatique ou bien plutôt combattif et moderne. D’un côté le scénario nous montre les difficultés des deux femmes, la pression sociale, etc. ce qui peut nous attrister et nous révolter, de l’autre, il y a ce manque de passion dans la façon de retranscrire l’histoire et cette modernité de Therese qui tirent le long-métrage vers quelque chose de plus contemporain mais manquant de corps et d’énergie.

Bref, j’attendais que ce film devienne le classique du film d’amour lesbien qui manque à ma connaissance, et je suis restée sur ma faim, en dépit de qualités esthétiques indéniables.

« Baden Baden » : haro sur la baignoire

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Ana, 26 ans, vivote en Angleterre. Sur un coup de tête, elle rentre en Alsace pour revoir sa famille et ses amis. Alors que sa grand-mère est hospitalisée, Ana se met en tête de remplacer la baignoire de la vieille dame par une douche…

Movie challenge 2017 : un film qui m’a fait pleurer de rire

Je n’aurais pas forcément parié sur ce film franco-belge, premier long-métrage de Rachel Lang, pour cette catégorie imprévisible du Movie challenge. Il est vrai qu’à première vue, la vie d’Ana n’est pas à mourir de rire : dès les premières minutes du film, la jeune femme se fait vertement réprimander par son employeur pour s’être perdue en voiture.

Et sur le fond, le propos du film est plutôt sérieux, puisqu’il évoque le difficile passage à l’âge adulte de la génération Y, et plus précisément des jeunes femmes. Un sujet qui m’a forcément accrochée, faisant moi-même partie de cette génération. Je me suis en partie retrouvée dans les questionnements d’Ana, sa difficulté à se positionner face au monde adulte et à ses codes, mais aussi sa liberté de ton et d’action, sa détermination, sa volonté de faire des choses par elle-même sans se reposer sur ses proches, de les épargner aussi en ne leur faisant pas subir ses chagrins. J’ai trouvé la jeune femme, incarnée avec peps par la découverte belge Salomé Richard, très crédible et attachante jusque dans ses défauts : l’entêtement, l’incapacité à avancer, le besoin d’affection masculine

On peut même dire que le film de Rachel Lang est en quelque sorte féministe, car Ana dispose de sa vie et de son corps comme elle l’entend, faisant fi des avis de ses proches sur ses fréquentations et des discours bien-pensants (à vomir) du corps médical. Une scène d’examen en particulier, ou la professionnelle de santé émet un jugement outrepassant les bornes de sa fonction, m’a particulièrement révoltée, et j’ai su gré à la réalisatrice de montrer cela.

Mais par ailleurs, en dépit d’un sujet pas si léger, le film regorge de scènes amusantes voire franchement hilarantes. Les travaux engagés dans la salle de bain sont en particulier la source de gags visuels, dans lesquels excelle Lazare Gousseau, en plombier du dimanche. Dans l’ensemble, le casting permet de découvrir ou redécouvrir des acteurs plutôt rares au cinéma, peu connus, ce qui apporte une vraie fraîcheur au film et rend les personnages vraisemblables, du meilleur pote et plus si affinités à l’ex insupportable mais difficile à quitter, en passant par une sympathique galerie de copines.

Au cœur du film, la grand-mère pour qui toute cette histoire de baignoire arrive, est le dernier rôle de Claude Gensac, disparue fin 2016, et non des moindres. La fiancée du gendarme y campe une femme qui a fini d’attendre que la vie la gâte mais qui ne se prive pas de s’amuser pour autant, souvent en taquinant sa petite fille. À noter aussi la présence de Zabou Breitman en mère inquiète, aussi juste qu’à l’ordinaire.

Un peu chronique sociale, un peu comédie, le film de Rachel Lang a su me plaire par son côté décalé, dans la veine d’un cinéma contemporain très frais et malin que j’aime beaucoup, après Les Bêtises ou Sur quel pied danser.

« The Circle » : l’Enfer pavé de bonnes intentions

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Mae décroche grâce à son amie Annie un emploi chez The Circle, un réseau social proposant de nombreux services. Rapidement, elle s’implique beaucoup dans la vie de l’entreprise…

Movie challenge 2017 : un film d’un réalisateur que j’adore

Sachant qu’Emma Watson tenait le rôle principal de ce film, j’étais assez décidée à le voir. Je n’en savais pas beaucoup plus, ayant eu un mois de juillet assez chargé, et j’ai d’ailleurs eu toutes les peines du monde à trouver un créneau pour le voir, en dépit des places gagnées chez Baz’art, que je remercie !

Les critiques très mitigées sur ce film m’avaient un peu refroidie, et ce n’est pas un mal, car cela m’a permis d’être agréablement surprise. N’ayant pas lu le roman, je ne savais pas à quoi m’attendre et je dois dire que j’ai trouvé le propos du film très pertinent par rapport à l’époque dans laquelle nous vivons. En effet, Mae travaille dans une grosse multinationale qui pourrait ressemble aux géants du web comme Facebook ou Google. De fait, même si le film semble légèrement en avance sur notre époque, il reste réaliste et permet au spectateur de se projeter.

Et ce d’autant plus facilement qu’il est aisé de s’identifier à Mae. Dès les premières minutes, où on la découvre pratiquant sa passion pour le kayak en solitaire, puis aux côtés de sa mère vieillissante et de son père malade, la jeune femme nous est sympathique. Issue d’un milieu modeste, elle est proche de ses parents et souhaiterait leur rendre la vie plus agréable, mais sa situation professionnelle est précaire. C’est pourquoi le fait d’être embauchée par The Circle est si important pour elle.

De bonne facture mais assez classique dans son traitement (et pour une fois, c’est reposant de suivre un film très narratif), le long-métrage nous plonge dans l’univers de cette entreprise en apparence chaleureuse qui, très vite, met le spectateur mal à l’aise. Rapidement, l’intrigue se noue en une réflexion sur la liberté, la transparence, la moralité, et la vie privée à l’heure où les technologies permettent l’espionnage généralisé. J’ai trouvé la progression dans le malaise crédible et bien rendue, et l’évolution de Mae, confrontée à la fois à Ty, qui émet des doutes sur le bien-fondé de The Circle, et aux dirigeants qui voient en elle un élément prometteur, interprétée avec justesse.

Ce qui fait la valeur du film, plus que les rebondissements de l’intrigue où quelques invraisemblances pourraient être dénichées, c’est la réflexion qu’il porte, un peu façon Black Mirror, et son ambiance de fausse convivialité et d’une moralité à double tranchant. Pendant tout le film, en voyant Mae se démener pour faire ce qu’elle pense être le plus juste pour tout le monde, j’ai eu en tête ce dicton, « l’Enfer est pavé de bonnes intentions ». Car les personnes les plus dangereuses pour la société ne sont pas forcément celles qui cherchent à commettre un méfait. Et c’est à mon sens la signification de la chute, que je ne dévoilerai pas mais dont je sais qu’elle a pu dérouter. À mon sens, le scénario est plutôt malin car, alors que l’intrigue est bien menée mais relativement classique jusque-là, cette porte de sortie plutôt inattendue contribue à faire de l’ensemble un film contemporain et à message.

Ce n’est qu’après avoir visionné le film que j’ai compris qu’il était réalisé par James Ponsoldt, dont j’ai tellement aimé The Spectacular Now. À y regarder de près, ce n’est pas si étonnant : il y a chez Mae un mélange de la tentation du pire que pouvait incarner Sutter et des nobles valeurs d’Aimee. On sent chez le réalisateur une volonté d’explorer la frontière entre bien et mal qui me pousse à continuer à suivre son parcours.

« Meilleur espoir féminin » : l’instinct paternel

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Laetitia ne sait pas comment l’avouer à son père, Yvon Rance, qui rêve qu’elle reprenne son salon de coiffure après son bac : elle, elle veut faire du cinéma. Jusqu’au jour où le réalisateur Stéphane Leroy la choisit comme premier rôle… 

Movie challenge 2017 : un film que j’aime bien secrètement

Secrètement, c’est un bien grand mot, car on ne peut pas dire que je me sois jamais cachée d’adorer ce film de Gérard Jugnot. À vrai dire, je le regarde même consciencieusement à chaque fois qu’il passe à la télé (c’est-à-dire tout de même assez régulièrement).

Mais je ne le hurle pas sur les toits non plus, disons, parce que le film a plutôt l’image d’une petite comédie française sympathique mais sans plus. Alors que, plus je le revois, plus je trouve qu’il fait preuve d’une vraie tendresse et exploite beaucoup de thématiques en une heure quarante.

Pour ma part, je dois préciser que mon attachement à ce film vient surtout des circonstances dans lesquelles je l’ai découvert. La première fois que je l’ai vu, c’était dans un car en rentrant d’un voyage scolaire en Angleterre, un séjour qui reste l’un des moments les plus marquants de ma vie. Donc forcément, j’ai un rapport affectif spécial avec ce film.

La première qualité qu’il faut reconnaître à Meilleur espoir féminin, présenté comme une comédie, c’est qu’il est vraiment drôle. Je l’ai vu peut-être six ou sept fois, je connais la moitié des répliques par cœur (« c’est un substitut capillaire », « tu m’obstrues ! »…), et je suis toujours écroulée de rire devant les mêmes scènes. Et j’ai aussi l’impression de redécouvrir certains passages à chaque fois. Par exemple j’avais totalement oublié qu’Yvon ne semble pas envisager qu’Andréa, le coiffeur de cinéma, soit gay. Quand sa fille lui dit qu’Andréa n’a jamais touché une femme de sa vie, le pauvre Yvon s’étonne : « À son âge ? ». J’aime bien cette idée qu’un coiffeur n’ait pas en tête qu’un de ses collègues puisse être gay, c’est un détournement de cliché que je trouve sympathique. Et cette scène symbolise bien la candeur d’Yvon, un personnage à la fois drôle à ses dépens mais aussi très touchant.

Car le film se fait aussi très émouvant dans son traitement de la relation père-fille. C’est un sujet qui me touche particulièrement au cinéma et que j’aime beaucoup voir abordé avec autant de délicatesse (comme dans Les grandes personnes, dans un autre esprit). On parle souvent beaucoup du lien qui unit la mère à l’enfant, or ici Laetitia ne semble pas avoir de mère au début du film et c’est Yvon qui est prêt à tout faire par amour pour elle.

Le parcours de Laetitia est celui d’une ado qui devient adulte et coupe le cordon d’avec ce père trop protecteur. Et en même temps, on ne peut pas reprocher à Yvon une certaine lucidité quant au cinéma, au vu du parcours de sa fille. C’est aussi ce que j’aime dans ce film, la façon dont est abordé le milieu du cinéma, son snobisme vis-à-vis du petit provincial qu’est Yvon, la façon de considérer les jeunes comédiennes comme de la chair fraîche, le brouillage entre vie privée et vie publique, la fascination qu’engendre la notoriété, et les dégâts qu’elle peut causer sur la vie familiale. Débutant comme une franche comédie, le film se fait profond par moments et nous arracherait presque une larme. C’est pour Bérénice Béjo le premier grand rôle, et pour Gérard Jugnot le point de bascule entre cinéma comique et personnages sublimes.

Je suis donc ravie d’avoir enfin l’occasion de présenter ce film dans une chronique sous la lumière qu’il mérite.

 

« Love & Friendship », le plus caustique des Jane Austen

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Lady Susan arrive à Churchill précédée de sa réputation de séductrice. Pourtant, le frère de sa belle-sœur ne tarde pas à la trouver brillante et à la défendre auprès de tous. Jusqu’au jour où Frederica, fille de Lady Susan, les rejoint après avoir fugué de son pensionnat, suivie par James Martin, son prétendant…

Movie challenge 2017 : un film qui se déroule avant le XX^e siècle

Pas de panique si la migraine vous guette rien qu’à la lecture de mon résumé du film de Whit Stilman. Comme dans toutes les adaptations de Jane Austen (que j’ai presque toutes vues), les personnages sont assez nombreux et leurs connexions sociales pas toujours aisées à démêler.

Attirée par les critiques qui faisaient de Love & Friendship un film un peu différent, plus noir et drôle que les autres Austen, j’étais impatiente de le découvrir. Pourtant, la fausse bonne idée du générique présentant tous les protagonistes de l’histoire m’a plus perdue qu’autre chose au départ. Lorsque l’histoire a démarré, j’en étais encore à essayer de comprendre qui était la belle-sœur de truc et qui le fils de bidule. Heureusement, cette présentation n’était pas si nécessaire.

En effet rapidement l’histoire se met en place et l’on comprend qui est qui est quels sont les enjeux. Lady Susan (Kate Beckinsale, que j’ai appréciée de voir dans autre chose que des films de vampires) concentre les regards mais aussi les critiques en raison de son statut de séductrice. Comme le dit plus tard le nigaud James Martin (Tom Bennett, qui a dû se régaler à jouer ce personnage d’imbécile heureux), ce comportement frivole et cet appétit sensuel sont à l’époque tolérés chez les hommes, mais pas chez les femmes. En cela Lady Susan aurait pu apparaître comme un personnage féministe avant l’heure, revendiquant sa liberté amoureuse et sexuelle.

Or ce n’est pas vraiment ce qui ressort de ce personnage, qui ne s’inscrit pas dans la lignée d’une Elizabeth Bennett encore plus audacieuse. Non, si ce récit est bien différent à mes yeux des autres œuvres de Jane Austen, c’est parce qu’il ne s’attache pas à suivre une jeune héroïne à laquelle le spectateur peut s’identifier. Ici, le personnage féminin qui se rapproche le plus de l’héroïne austenienne (dans une veine plutôt douce façon Elinor que Elizabeth Bennett), c’est Frederica, la fille de Lady Susan, qui ne peut se résoudre à épouser le stupide prétendant auquel sa mère est prête à la vendre.

Car Lady Susan est un personnage de femme aussi belle et intellectuellement brillante que son cœur paraît sombre. Certes, l’histoire nous permet de comprendre ses motivations : elle est veuve et désargentée, ne possède pas de propriété et doit donc vivre sans cesse chez des parents, et elle n’a pas les moyens de payer l’éducation de sa fille. Elle doit donc absolument trouver une source de revenus pour éviter de se retrouver à la rue. Pour autant, si cet aspect de la situation est suffisamment bien développé pour nous permettre de compatir, les actes et les paroles de Lady Susan retournent le spectateur contre elle. Plus que son rapport aux hommes, qui ne sont envisagés que comme des partis potentiels (en particulier le jeune Reginald DeCourcy, un peu fade), ce qui choque est son absence d’amour pour son enfant, dont elle ne prend aucunement en compte le tempérament et les aspirations. Cela conduit à un portrait un peu lisse de la jeune fille, que l’on aperçoit surtout dans ses interactions avec sa mère.

Je n’ai pas lu le roman, mais j’ai trouvé que Whit Stilman proposait une version assez caustique de cette histoire. Sous les magnifiques décors et costumes et le côté assez cérémonieux des relations sociales de l’époque se cache un film incisif avec des scènes particulièrement drôles, comme lorsque la suivante de Lady Susan renchérit sur tout ce qu’elle dit, alors même que celle-ci est d’une mauvaise foi évidente. Et bien sûr, toutes les apparitions de James Martin sont une occasion de rire à ses dépens.

J’ai bien aimé ce ton particulier, mais je ne suis pas certaines que le film ravira tous les fans de Jane Austen, car ce qu’il gagne en humour et en critique sociale, il le perd du côté du romantisme et de l’attachement que l’on pourrait éprouver pour les personnages. Plutôt un plaisir intellectuel qu’émotionnel donc, en dépit d’un titre qui aurait laissé présager l’inverse.

« Victoria » : nuit de folie

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movie challenge 2017

Victoria, jeune madrilène fraîchement installée à Berlin, rencontre un groupe de jeunes hommes à la sortie d’une boîte de nuit. Ils lui proposent de lui faire visiter la ville telle qu’elle ne l’a jamais vue et l’entraîne dans un périple nocturne…

 Movie challenge 2017 : un film avec un prénom dans le titre

Je n’avais pas forcément ce film en tête pour cette catégorie, mais lorsqu’il est passé sur arte, une de mes sources officielles de rattrapage de films, je me suis souvenue qu’il m’avait intriguée lors de sa sortie au cinéma. Il faut dire que depuis Birdman, je me suis prise d’un intérêt particulier pour les plans-séquences. Je trouve cette façon de filmer particulièrement immersive et impressionnante de dextérité. Même si, dans les faits, beaucoup de ces fabuleux plans-séquences sont des faux, avec des coupes cachées (c’est le cas à certains moments dans Birdman, mais aussi de l’ouverture de La La Land, entre autres).

Or Victoria a la particularité d’être un vrai plan-séquence. Autrement dit, les 138 minutes de film sont tournées en une seule fois. Une prouesse que je devais absolument visionner. Et finalement, passées les premières minutes, j’ai peu à peu oublié la technique. Car le film sait nous plonger dans une atmosphère qui embarque le spectateur au point de ne plus prêter attention au mouvement de la caméra qui, fluide, suit les personnages dans leur errance. Sombre dans l’ensemble, l’ambiance est par instants électrique, et crée une tension chez le spectateur. En tout cas pour ma part, j’ai craint dès le début que les jeunes hommes ne causent du tort à Victoria, et l’absence de méfiance de la jeune fille m’a étonnée. Je m’attendais presque à une scène de viol. Mais peu à peu, j’en suis venue à penser que Sonne (Frederick Lau) et sa bande étaient plus immatures et saouls que méchants. Et pourtant une forme de tension perdure jusqu’au petit matin, lorsque l’intrigue se met réellement en place. Vers le milieu, le film souffre de quelques longueurs, une fois que l’inquiétude première s’est dissipée et qu’on se contente d’assister aux pérégrinations du petit groupe sur les toits de la capitale allemande. Mais le film bascule ensuite dans un thriller énergique et glauque qu’on avait vu venir mais qu’on pensait s’être éloigné.

Cette construction un peu étrange qui part de l’angoisse pour nous y replonger, après un centre mou (excepté la très jolie scène où Victoria joue du piano, sans doute la plus touchante du film), est compensée par la vitalité des acteurs. J’ai été ravie de retrouver une partie du casting de La Vague (Frederick Lau et Max Mauff, aussi vu dans Sense8), et c’est sans doute la présence de ces acteurs qui m’a fait songer que l’histoire risquait de mal tourner. Si son interprète a pris quelques années, on retrouve en Sonne quelque chose de Tim, le jeune maladroit prêt à commettre toutes les folies pour prouver sa valeur. Laia Costa, surtout, crève l’écran, dans ce personnage de jeune fille téméraire jusqu’à l’absurde, prête à tout sacrifier pour des gens qu’elle vient de rencontrer, désireuse de fêter encore et encore l’adrénaline nocturne, comme pour rattraper ces années d’entraînements musicaux si sérieuses.

Qu’importe si l’ensemble a quelques faiblesses, et si j’ai vu venir la fin, il y a dans ce film un sentiment d’urgence et des fulgurances intéressantes, qui font oublier que Sebastian Schipper réalise là un tour de force technique.