Movie challenge 2017, le bilan !

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Après l’expérience du Movie challenge 2016, Tinalakiller et moi avons repris le flambeau pour vous proposer les 40 catégories du Movie challenge 2017. Voici donc le bilan de cette expérience !

Les films qui ont composé mon Movie challenge de l’année :

Un film tiré d’une série/qui a inspiré une série : Fargo

Un premier film : Patients

Un film tourné dans un lieu où je suis allé(e) : Libre et assoupi 

Un film sorti l’année de mes dix ans : La ville est tranquille

Un film avec un acteur/une actrice que je déteste : The Lobster

Un remake ou un film ayant été l’objet d’un remake : La Piscine/A Bigger Splash

Un film qui se passe dans le milieu sportif : Eddie the eagle

Un film de procès : La faille

Un film européen hors France : Ego

Un film qui a reçu la Palme d’or : The Square

Un documentaire : Where to Invade Next

Un film d’action/d’aventure : The Grand Budapest Hotel

Un film qui a marqué mon enfance/mon adolescence : Chevalier

Un film que j’aime bien secrètement : Meilleur espoir féminin

Un film français : Orpheline

Un film qui est la suite d’un autre film : Kingsman : Le Cercle d’Or

Un film engagé : Hippocrate

Un film sorti cette année : Nocturnal Animals

Un film qui m’a fait pleurer : Premier contact

Un film qui m’a fait pleurer de rire : Baden Baden

Un film d’un réalisateur que j’adore : The Circle

Une comédie : Crazy, stupid, love.

Une comédie musicale : La La Land

Un film recommandé par quelqu’un : Braveheart

Un film d’animation : Ma vie de Courgette

Un film que mon père adore : Still the water

Un film adapté d’un livre que j’ai lu : Réparer les vivants

Un film ayant obtenu un Oscar : Moonlight

Un film en noir et blanc : Frantz

Un film réalisé par une femme : La fille de Brest

Un film d’un réalisateur asiatique : Tel père tel fils

Un film d’horreur : Grave

Un film avec un mariage : Summer in February

Un film LGBT : Carol

Un film avec un prénom dans le titre : Victoria

Un film que je veux voir depuis des années sans en avoir l’occasion : Poulet aux prunes

Un film qui se déroule avant le XXe siècle : Love & friendship

Un film policier/thriller : Colonia

Un film feel-good : L’Ascension

Un film qui n’est pas sorti en salles en France : Smashed

Comme l’an dernier, ce challenge a été une expérience particulièrement enrichissante d’un point de vue culturel et humain. Le Challenge est l’occasion de voir des films qui me tentaient, et d’autres qui me tentaient nettement moins, et rien que pour la variété des expériences vécues cela valait le coup ! Et puis c’est aussi une bonne opportunité pour échanger autour du cinéma avec les autres participants au Challenge, et avec mes proches grâce à des catégories comme « un film recommandé par quelqu’un ».

Parmi les films vus cette année dans le cadre du Movie challenge, il y a eu quelques visionnages décevants comme Carol ou Moonlight, voire carrément pénibles (Fargo), des films dont je n’attendais rien et qui ne m’ont rien apporté (La faille) et des surprises sympathiques (L’Ascension, Libre et assoupi) et quelques rattrapages de classiques (Braveheart, La Piscine).

Mais surtout, beaucoup de très bons films qui m’ont marquée pour des raisons variées : Smashed, Colonia, Grave, Frantz, La La Land, Baden Baden, Premier contact, Nocturnal Animals, The Square, Ego, Patients. Avoir adoré plus d’un quart des films vus grâce au Movie challenge, c’est une bonne raison de poursuivre l’expérience !

Alors restez connectés, l’édition 2018 du Movie challenge arrive bientôt, toujours avec ma copinaute Tinalakiller et moi-même aux manettes !

Si vous avez participé au Movie challenge 2017, surtout n’hésitez pas à poster en commentaire votre propre bilan de l’expérience !

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Un « Chevalier » éternel

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Lorsque Sir Hector décède entre deux manches d’une joute, l’un de ses écuyers, William, décide de prendre sa place même si sa naissance roturière le lui interdit officiellement. Accompagné de ses acolytes Wat et Roland, et de l’écrivain Chaucer, il s’invente des lettres de noblesse…

Movie challenge 2017 : un film qui a marqué mon adolescence

L’année dernière, j’avais déjà évoqué dans la catégorie « Un film avec un acteur que j’adore » mes souvenirs cinématographiques d’adolescence, et j’avais promis que cette saison du Movie challenge serait l’occasion de vous parler de mon film d’ado favori.

J’ai donc pris mon courage à deux mains pour revisionner Chevalier. Je n’avais pas revu ce film depuis le décès de son acteur principal, Heath Ledger, en 2008. Je craignais d’une part d’être submergée par l’émotion, d’autre part que, 10 ans après, le film de mon adolescence me semble cruellement dépassé.

Finalement, le film de Brian Helgeland n’a pas si mal vieilli. Certes, ce n’est pas du grand cinéma, mais une histoire pleine de bons sentiments digne d’un téléfilm de Noël. Cependant j’y ai retrouvé tout ce que j’avais adoré plus jeune : l’humour des dialogues et en particulier le trio d’acolytes de William, avec la figure complètement perchée d’un Geoffrey Chaucer fantasmé (Paul Bettan, cabotin à souhait) ; le suspens des joutes, la romance avec la belle Jocelyne (Shannyn Sossamon) et la rivalité entre le roturier William et le noble Adhémar (Rufus Sewell, le spécialiste des rôles de méchants).

Et puis ce qui m’a toujours particulièrement plu dans ce film, c’est le traitement iconoclaste du Moyen Âge : le scénario n’hésite pas à se moquer du clergé, à introduire des valeurs de mérite et d’égalité des chances qui n’existaient pas à cette époque très hiérarchisée, voire de féminisme avec le personnage de la forgeronne Kate (Laura Fraser). Cette modernité des valeurs rejoint un anachronisme assumé de la bande-son, des costumes et même de la danse lors de la mythique scène du bal. Dès la scène d’ouverture, qui voit les spectateurs d’un tournoi entonner « We will rock you », le ton est donné. Ce parti-pris rafraîchissant m’a toujours enthousiasmée, et je pense que c’est aussi ce qui permet au film d’avoir traversé les années sans prendre de rides.

Et puis il y a ce beau personnage de William, jeune héros qui décide de bouleverser les conventions et braver tous les risques pour prouver la noblesse de son caractère et s’adonner à sa passion des tournois. Ce n’est pas follement original, et par ailleurs le personnage souffre de crises de mièvreries dès qu’il se trouve en présence de sa dulcinée, mais l’ensemble réussit toujours à me toucher… et à me divertir. J’ai redécouvert la relation de William avec son père, et de façon surprenante, c’est ce personnage qui m’a fait verser une larme. Le couvreur élève son fils dans l’idée qu’un homme peut toujours choisir son destin, quelle que soit son extraction, et il le place tout jeune comme page auprès d’un chevalier pour lui donner une chance de réaliser son rêve, quitte à se priver de sa présence pendant des années. Cette figure sacrificiel de père prêt à tout pour que son fils puisse s’accomplir est sans doute le plus beau personnage du film.

Je n’ai aucunement regretté de m’être replongée dans ce film 10 ans après, car j’y ai retrouvé sans en rougir ce qui m’avait enthousiasmée à l’époque. Et j’ai envie de remercier Brian Helgeland de nous avoir offert le destin du fougueux et lumineux William Thatcher. Car même disparus, à travers leurs rôles marquants, les acteurs sont éternels.

« Still the water » : « de l’eau pour noyer chagrins et peines »

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Sur l’île d’Amami, le jeune Kaito, parti rejoindre son amie Kyoko près de la mer, découvre un cadavre tatoué flottant dans l’eau. Le jeune homme, qui n’accepte pas la séparation de ses parents et son amie dont la mère est gravement malade, entrent ensemble dans l’âge adulte…

Movie challenge 2017 : un film que mon père adore

J’avais présenté cette catégorie du Movie challenge à mon père dès le début de l’année, mais il a fallu trouver un film qui le touche particulièrement et que je n’aie pas encore vu, ce qui n’était pas si simple car nous échangeons très souvent sur le cinéma et voyons donc assez régulièrement les œuvres qui enthousiasment l’un ou l’autre.

Cependant je n’étais tout d’abord pas franchement emballée à l’idée de voir Still the water, car je ne suis pas très à l’aise avec le cinéma asiatique. J’ai certes visionné des longs-métrages tels que L’Odeur de la papaye verte et plusieurs films de Kore-Eda mais il me semble toujours qu’il me manque les codes de ces cultures pour pleinement comprendre les enjeux et les personnages de ces œuvres.

Et Still the water ne fait pas exception à cette règle. Certes, j’ai totalement apprécié l’esthétique du film, les sublimes plans sur les vagues façon Hokusai, quelques plans parfaits également sur des personnages statiques, par exemple lorsque Kyoko et ses parents observent l’arbre de leur jardin ou quand la jeune fille discute avec « Papi Tortue », l’ancien de la communauté qui partage sa sagesse et son expérience avec les jeunes.

J’ai bien sûr saisi une partie des enjeux du film, autour du passage à l’âge adulte de deux adolescents confrontés d’une part à l’éloignement d’avec leur famille (Kyoko car sa mère est mourante, Kaito car il n’est pas en accord avec la séparation de ses parents et leur comportement dans leur vie privée), d’autre part avec la découverte du sentiment amoureux.

En revanche, je n’ai pas vraiment saisi les implications des scènes de folklore chamanique (en particulier la scène d’ouverture du film), les rites chantés, et tout ce qui relève des traditions locales. De plus, j’ai eu du mal à interpréter le comportement des deux personnages principaux. Kaito parle très peu et se montre pudique, mais également empreint de certaines valeurs qui nous paraissent, à nous Européens, très traditionnelles. Mais peut-être son comportement correspond-il aux valeurs communément validées dans les îles japonaises ? Quant à Kyoko, elle m’a fait l’effet d’une jeune fille particulièrement audacieuse, spontanée, curieuse et expansive. De mon point de vue, elle fait preuve d’un grand sens de l’initiative qui, s’il était attribué à un personnage masculin, serait connoté nettement moins positivement. Cela dit, la conversation avec ses parents sur sa relation avec Kaito semble montrer qu’il est pour eux totalement admis que leur fille puisse fréquenter ce garçon, et qu’elle en prenne l’initiative. J’ai eu du mal donc à cerner l’originalité des personnages et leur singularité par rapport à la norme des valeurs et comportements admis dans leur communauté, ce qui m’a empêchée d’être complètement en empathie avec eux. Comme souvent avec le cinéma asiatique, j’ai eu l’impression d’une œuvre très contemplative que j’ai observée avec intérêt mais en y restant extérieure.

J’ai conscience que ce film est une très belle œuvre initiatique qui fait la part belle à la mer et à la mère, mais ma sensibilité très « occidentalo-centrée » (je suis beaucoup plus à l’aise avec les personnages du cinéma européen ou américain) me semble une limite pour communier avec ce type de cinéma, ce que je regrette.

« Frantz », « encore une danse… »

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En se rendant sur la tombe de Frantz, son fiancé mort à la guerre, Anna découvre qu’un Français est venu fleurir la sépulture. Il se présente bientôt au domicile des parents de Frantz et explique être un ami du jeune homme… 

Movie challenge 2017 : un film en noir et blanc

J’avais failli aller découvrir Frantz au cinéma et je l’avais raté, dans une période riche en belles découvertes. J’avais eu d’autant moins de scrupules que son réalisateur, François Ozon, m’agace par ses déclarations sur les femmes et a produit une filmographie très inégale comportant autant de films que j’ai appréciés (Huit Femmes, Le Refuge…) que de longs-métrages que j’ai détestés (Swimming Pool en tête).

Et pourtant je dois admettre que si j’avais vu Frantz en 2016, je lui aurais forcément fait une place dans mon top 10. Tous les ans je loupe un ou deux grands films que je regrette de n’avoir pu classer parmi mes favoris de l’année, et clairement celui-ci en fait partie.

Ce que j’ai aimé en premier lieu, et qui a valu au film son unique César, c’est la photographie, mais aussi le choix des éclairages, et la gestion des quelques scènes en couleur que comporte le film. Alors que le noir et blanc est parfois utilisé pour des scènes de souvenirs, Ozon fait le choix inverse et n’introduit la couleur que pour rendre plus présent un moment du passé et redonner vie à Frantz. Le noir et blanc est vraiment un excellent choix pour ce film, il s’accorde avec l’époque retracée et la rigidité initiale de l’entourage de Frantz vis-à-vis du nouveau venu. J’ai rarement vu un film aussi esthétique de bout en bout, avec des éclairages splendides, le visage de Paula Beer et le regard de Pierre Niney magnifiés par ce noir et blanc lumineux et profond. Ce très beau travail technique m’a rappelé Le Ruban Blanc, dont j’ai découvert après le visionnage qu’il s’agissait d’une des références d’Ozon pour ce film, qui n’est effectivement pas si loin de l’univers d’un Haneke.

Très esthétique, le film n’en est pas moins bon d’un point de vue narratif, avec une intrigue puissante, jouant sur des révélations que l’on peut certes partiellement anticiper (j’avais vu venir le premier twist du film, mais pas le second), mais qui font tout de même leur petit effet. J’ai beaucoup apprécié la sobriété du film tant dans la façon de filmer que dans le jeu des acteurs, à la fois sensibles et pudiques, tous absolument parfaits dans leur rôle. Les parents de Frantz sont émouvants dans leur mélange de chagrin, de raideur, de culpabilité et d’amour envers celle qui aurait dû devenir leur belle-fille. Le rôle d’Anna a révélé Paula Beer et je ne doute pas qu’on la reverra dans de grands rôles car l’actrice est fantastique. Avec des scènes parfois sans paroles, elle réussit à faire passer des émotions mêlées, entre affection, rancœur, sens du devoir, dépression et instinct de survie. Anna est un très beau personnage romantique, un cœur pur qui lutte contre l’impression de trahir son fiancé en s’attachant à son ami. La scène du bal est déterminante car on voit la jeune femme sourire à nouveau et l’on comprend que désormais elle a fait son deuil… mais va être confrontée à de nouvelles souffrances.

Face à elle, Pierre Niney, que je n’aime pourtant pas beaucoup habituellement, aurait mérité une récompense pour ce rôle trouble et subtil. Lâche, comme il se définit lui-même, Adrien est tourmenté par la guerre et ne parvient pas à tourner la page. En recherchant auprès de la famille de Frantz une forme d’absolution, il semble ne pas se rendre compte des dommages qu’il pourrait causer. Jusqu’au bout ce personnage a su me surprendre par ce qu’il nous révèle peu à peu de sa vie et de sa personnalité.

Soutenu par une belle bande-son et des références artistiques inspirées, ce film est à mes yeux le chef-d’œuvre de son réalisateur, et une œuvre historiquement réaliste sans être académique. Un grand film bouleversant.

« Smashed » : un dernier pour la route

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April Birthday Swap, movie challenge 2017

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Kate et Charlie vivent des soirées de débauche et d’ivresse dans la bonne humeur. Mais le jour où Kate vomit devant ses élèves et prétend être enceinte, elle sent que sa vie lui échappe…

Movie challenge 2017 : un film qui n’est pas sorti en salles en France

Lorsque j’ai publié ma chronique sur The Spectacular Now, s’en est suivi une grande conversation avec ma copinaute Tina au sujet des films de James Ponsoldt. Quelques mois plus tard, lors de notre swap d’anniversaire, elle m’offrait le DVD de Smashed, qui me faisait envie depuis qu’elle m’en avait parlé.

J’ai tardé à le voir, comme pour me délecter à l’avance d’un long-métrage qui avait toutes les chances de me plaire : un sujet dur, un réalisateur subtil amateur de personnages attachants, un casting soigné et la mention « comédie dramatique réaliste, sensible et émouvante » sur la jaquette. Que demander de plus ?

C’est un visionnage qui aurait pu être sans surprise car le film tient bien ses promesses. Un couple de jeunes aussi irresponsables que touchants, passablement éméchés dès la première scène, et que l’on observe se débattre au fil du film. Un sujet à la fois banal et terrible, l’alcoolisme, qui tient une place centrale dans la filmographie de Ponsoldt puisqu’il est déjà au cœur de son premier film Off the Black et qu’on le retrouve chez le personnage de Sutter dans The Spectacular Now (j’en profite pour rappeler que j’aime énormément ce film !).

Honnêtement j’ai trouvé dans ce long-métrage tout ce que j’en attendais : de la douleur mais aussi une certaine douceur (particulièrement incarnée par l’excellente Octavia Spencer), une forme d’optimisme, des premiers rôles excellents, et un vrai sujet dans lequel le film ose plonger pour de bon. Côté casting, Aaron Paul est assez fidèle à l’esprit de Jesse Pinkman en Charlie, un jeune homme qui vit de l’argent de ses parents et de quelques piges sur d’obscurs concerts, qui passe son temps à boire avec sa femme et ses potes et a l’ivresse plutôt joyeuse, il faut l’avouer. Tout se gâte pour lui lorsque son épouse Kate (Mary Elizabeth Winstead) décide d’arrêter de boire et se rend aux réunions des Alcooliques Anonymes, poussée par un collègue. Je découvrais cette actrice et je dois dire que grâce à sa performance le film m’a apporté plus que ce que j’en attendais. Kate est un très beau personnage contemporain de jeune femme aux prises avec ses démons, ses histoires de famille, son couple d’adolescents attardés et la difficulté à confronter ce passé aux responsabilités d’une vie d’adulte, incarnée par son job d’institutrice. Mary Elizabeth Winstead est capable en un instant de passer du dynamisme à l’abattement, de la douceur qu’elle dégage sobre à l’hystérie que lui confère l’alcool, de l’indécence à la probité. Elle en éclipse la plupart de ses partenaires à l’écran, qui n’existent vraiment que dans leurs rapports avec elle (en particulier Charlie, auquel la scène finale donne fort heureusement l’opportunité de se révéler et d’émouvoir les spectateurs).

Encore un film de James Ponsoldt qui ne m’a pas laissée indifférente et que je recommande très chaudement… en particulier si vous vous interrogez sur votre rapport à l’alcool !

« The Lobster » : métaphore de la pression sociale

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movie challenge 2017

Lorsque sa femme le quitte, David est conduit à l’Hôtel où sont envoyés tous les célibataires, une condition interdite dans sa ville. Il a 45 jours pour trouver une partenaire, sans quoi il sera changé en animal de son choix. Il opte pour le homard…

Movie challenge 2017 : un film avec une actrice que je déteste

Pour cette catégorie du Movie challenge, je suis allée piocher dans la filmographie de Léa Seydoux, une actrice que j’ai toujours trouvée totalement insupportable, à la fois dans ses films et dans ses déclarations. J’avais d’abord opté pour The Grand Budapest Hotel, mais comme elle n’y faisait qu’une très brève apparition, j’ai considéré que ce n’était pas du jeu.

Je me suis donc infligé le film de Yórgos Lánthimos, que je voulais voir depuis que j’étais tombée sur sa bande-annonce. À première vue, j’imaginais un film un peu glauque mais très drôle. Pour faire court, je m’étais trompée dans les proportions, c’est plutôt un peu drôle et très glauque.

Je ne peux donc pas dire que j’ai passé un bon moment en visionnant ce film, et pourtant loin de moi l’idée de le juger mauvais. Je comprends d’ailleurs tout à fait qu’il ait été récompensé du Prix du jury à Cannes en 2015.

Le postulat de cette dystopie est très intéressant et donne à réfléchir, comme c’est le propre du genre, à notre société. Et en cela je trouve le propos vraiment pertinent. En effet, David subit les événements plus qu’il ne les produit, et il se retrouve à vivre dans des communautés aux règles absurdes et malsaines. L’Hôtel est régi par tout un tas de lois cruelles, comme l’interdiction de se masturber (avec comme punition les doigts dans le grille-pain) ou l’obligation de chasser les Solitaires qui peuplent la forêt pour gagner des jours d’humanité supplémentaires. Tout est fait pour inciter les célibataires à se mettre en couple, dans un vrai phénomène de lavage de cerveau. Les gens en viennent à former un couple sur la base d’un point commun le plus souvent dérisoire (par exemple le fait de saigner du nez souvent).

Mais le film va plus loin en montrant ensuite le point de vue des Solitaires, chez qui il est, à l’inverse de l’Hôtel, interdit de tomber amoureux et d’avoir des relations sentimentales et sexuelles (sous peine de châtiments corporels atroces). Bien au delà de la maxime populaire « l’amour rend aveugle » qui a beaucoup été retenue pour analyser ce film, je pense qu’il s’agit d’une métaphore de la pression sociale et de ses ravages. David se sent obligé de se conformer aux injonctions, et, lorsqu’il décide de désobéir, il n’en a pas moins intégré à son insu une partie des codes qui lui ont été rabâchés, et en particulier la nécessité absolue d’avoir un point commun avec sa compagne… quitte à commettre un acte irréparable.

Bien interprété (Léa Seydoux joue un personnage distant et inexpressif, donc je dois dire qu’elle remplit assez bien sa fonction), le film de Yórgos Lánthimos réussit à mettre le spectateur très mal à l’aise, sans avoir besoin de montrer explicitement toutes les horreurs qu’il laisse deviner. Ça a le mérite d’être intellectuellement stimulant.

« Réparer les vivants » : digne mais lisse

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Simon Limbres revient d’une séance de surf matinale lorsqu’il est victime d’un accident de voiture. En état de mort cérébrale, le jeune homme est un donneur d’organes potentiel…

Movie challenge 2017 : un film adapté d’un livre que j’ai lu

« Ce qu’est le cœur de Simon Limbres… », les premiers mots du roman de Maylis de Kerangal font partie des incipits que je n’oublierai jamais. Marquée par ce roman bouleversant, j’appréhendais de le voir adapté autant que j’en avais hâte.

Je ne connaissais pas Katell Quillevéré jusqu’à ce film mais je lui reconnais d’emblée une grande qualité : celle d’avoir réalisé, sur un sujet extrêmement délicat, un film très digne. Sa façon de filmer le jeune Simon, qu’il soit actif ou inanimé, est empreinte d’une pudeur respectueuse qui colle bien au propos du roman. Globalement j’ai retrouvé la trame narrative, et l’atmosphère du livre, quelque chose d’assez solennel et propice au recueillement, entrecoupé d’élans de vie. Les comédiens sont assez bien choisis dans l’ensemble et plutôt bons. J’ai en particulier apprécié les personnages qu’on voit assez peu dans le livre comme Claire (Anne Dorval) et ses enfants (c’est toujours un plaisir de voir Alice Taglioni). L’une des prestations les plus surprenantes est celle de Tahar Rahim, que j’ai à peine reconnu sans son habituel sourire de gosse, et qui fait preuve ici d’une sobriété de bon aloi.

Cela dit, il m’a manqué quelque chose par rapport au roman. Le souffle si particulier de l’écriture pulsée, les ascenseurs émotionnels que ne parvient pas totalement à retranscrire le film, en dépit de moments touchants, et de quelques très belles trouvailles visuelles. La scène de l’accident est à mes yeux la plus réussie, dans laquelle la vague semble engloutir la route puis le véhicule. C’est clairement le genre d’effet original que j’aurais aimé retrouver davantage dans le film, car il me semble que c’était une bonne façon de rendre compte de la tonalité singulière de l’œuvre.

Surtout, j’ai été frustrée de voir si peu la plupart des personnages. J’ai beau avoir lu le roman il y a près de quatre ans, je me souvenais de certains détails qui caractérisent chacun des personnages qui vont accompagner d’une façon ou d’une autre le corps et le cœur de Simon. Les oiseaux du docteur Rémige, résumés ici à une vidéo de chardonneret, la mèche blanche singulière des Harfang, sauf que la pauvre Alice est réduite à la portion congrue alors que c’est un vrai beau personnage du livre… C’est la diversité des points de vue, l’entrelacement des vies autour du mort qui donne sa puissance au livre, et qui se dilue ici. Chacun n’est plus qu’une silhouette manquant d’épaisseur pour qu’on s’y attache, et cette déconvenue repose encore une fois la question de la possibilité d’adapter vraiment une œuvre littéraire.

Car je doute qu’il ait été possible de faire vraiment mieux, sauf à réaliser un film de 10 heures. Ce qui me fait songer qu’un format série façon 24 heures chrono eût peut-être été davantage adapté à ce sujet fort et complexe.

« Fargo » : quand ça veut pas…

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Pour extorquer de l’argent à son beau-père, Jerry embauche deux malfrats pour kidnapper sa femme Jean. Mais rien ne se passe comme prévu et les morts s’accumulent, pendant que Marge Gunderson et sa brigade mènent l’enquête. 

Movie challenge 2017 : un film qui a inspiré une série

Dans ma (très longue) liste de séries à commencer un jour (alors que je n’ai pas le temps de suivre celles que j’ai entamées…), se trouve depuis plusieurs années Fargo. Une série policière dans un décor enneigé, qui a de bonnes critiques et avec un casting alléchant, pourquoi pas ?

Mais je comptais d’abord découvrir le film, afin de comprendre les origines de la série, et cette catégorie du Movie challenge m’offrait l’occasion d’enfin me décider à le regarder, depuis le temps que je l’évoque. Je n’étais tout de même pas sans une petite appréhension, car il s’agit d’un film des frères Coen. La plupart de leurs films ne m’ont jamais tentés, et le seul que j’ai vu jusqu’ici, Intolérable cruauté, m’avait semblé extrêmement mauvais.

Malgré toute ma bonne volonté, j’ai eu du mal à entrer dans l’histoire de Fargo. Déjà, le film m’a fait l’effet d’avoir très mal vieilli : couleurs ternes, looks vintage, décors dans des tons bruns gris, rien de très enthousiasmant pour l’œil. Pourquoi pas, cela dit, et finalement, cela colle assez bien au propos du film.

Plus qu’un polar, car finalement suivre l’enquête se révèle assez peu passionnant, j’ai l’impression qu’il s’agit d’un film sur la médiocrité. Jerry est un homme de peu d’envergure, qui ne semble attaché à aucun membre de sa famille et passe son temps à magouiller pour essayer de récupérer de l’argent, et en particulier d’en extorquer à son beau-père. Celui-ci est un indécrottable avare qui préférerait presque risquer la mort de sa fille que de verser une rançon. Quant aux malfaiteurs, ils sont totalement stupides. Carl se prend pour un cerveau mais n’est qu’un incapable et Gaear est du genre brute épaisse. À partir du scénario de l’enlèvement envisagé par Jerry, tout va se dérouler de travers, ce qui était à prévoir, et causer un bain de sang, donnant au film un caractère absurde avec la violence des meurtres gratuits qui s’accumulent.

Parmi tous ces personnages de minables, la seule un peu sympathique est Margie (Frances McDormand), la policière qui enquête sur les meurtres et s’en sort plutôt bien, quasiment seule. J’ai apprécié l’idée qu’une femme enceinte puisse à elle seule remonter la piste des criminels. Cela dit, elle doit ses succès essentiellement à la chance et à de bonnes intuitions, plus qu’à une intelligence développée.

J’imagine qu’à l’époque de la sortie du film, la médiocrité même des personnages, la façon de présenter des malfrats qui ne soient pas supérieurement intelligents et des flics correspondant aux Américains moyens avait quelque chose de novateur. Mais depuis, le réalisme dans les polars est devenu très répandu. Et quitte à voir un polar social avec une enquêtrice, je préfère largement la série Happy Valley. Car je n’ai jamais vraiment adhéré à Fargo, devant lequel, je dois le dire, je me suis copieusement ennuyée. J’ai trouvé le film lent, répétitif, sans surprise et sans grand intérêt scénaristique. Ce qui est peut-être un parti-pris en soi mais ne m’a pas convaincue.

Finalement l’intérêt principal de ce visionnage aura été de me faire retirer la série de ma liste à voir. C’est toujours ça de gagné.

« Braveheart » : hymne à la liberté

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Alors que le roi d’Angleterre occupe tout le sud de l’Écosse, des seigneurs écossais se rebellent. Le jeune William Wallace perd son père et son frère, tués par les Anglais. Élevé par son oncle, il revient adulte dans son village pour mener la rébellion…

Movie challenge 2017 : un film recommandé par quelqu’un

J’ai profité de cette catégorie du Movie challenge pour découvrir ce classique du cinéma, dont la longueur m’avait rebutée à chaque fois qu’il était diffusé à la télévision (trois heures tout de même). Mais comme il s’agit d’un des films préférés de mon amoureux, nous avons profité d’un week-end pluvieux pour le visionner ensemble.

J’avais un peu l’appréhension du côté « film de guerre » mais j’ai été surprise de trouver le film aussi émouvant dès ses premières minutes : la détresse du jeune William qui perd sa famille est totalement bouleversante et a failli me faire pleurer dès le premier quart d’heure du film. Une entrée en matière violente qui permet de comprendre le sentiment de revanche qu’éprouvera ensuite William Wallace face aux Anglais.

Je ne suis pas très fan du personnage Mel Gibson, mais je dois admettre qu’il donne vie à William avec beaucoup d’intensité. Le personnage est forcément attachant, non seulement à cause des drames personnels qu’il a subis et dû surmonter mais aussi grâce à son caractère. Intransigeant dans ses valeurs, courageux et même téméraire, William Wallace est présenté également comme un homme chaleureux avec ses amis et drôle jusque sur le champ de bataille. On imagine bien que l’histoire a été largement romancée, et d’autant plus dès qu’on entre dans le volet vie privée. D’ailleurs c’est un des principaux reproches qu’on pourrait objectivement faire au film, qui invente des pratiques qui ne sont pas avérées (« prima nocte », le droit de cuissage des Anglais sur les jeunes mariées écossaises), mélange les époques tant dans les costumes (le kilt est un élément de folklore plus tardif) et fait se rencontrer des personnages qui n’ont en fait pas pu se croiser. On sent bien que toute l’histoire entre Isabelle de France (Sophie Marceau) et William Wallace tient du produit d’appel, et d’ailleurs c’est assez amusant de voir la jeune reine en groupie énamourée.

Cela dit, je n’ai pas vu passer les 3 heures du film et j’ai été la première surprise d’être aussi accrochée, alors même que je savais à peu près la fin. J’ai aimé retrouver une ambiance de camaraderie chevaleresque entre William et ses hommes qui m’a fait penser au film de mon adolescence, Chevalier. Et forcément, ce combat pour la liberté et l’indépendance faisait écho à des valeurs que j’apprécie.

Surtout, j’ai trouvé que malgré un petit côté vintage, le film n’avait pas mal vieilli. Les scènes de bataille sont très honnêtes et plus impressionnantes que celles de certains films récents abusant des effets. C’est sans doute à cela qu’on reconnaît un grand film, à sa capacité à traverser les époques et à nous parler au-delà du temps qui passe et de ses défauts.

« La ville est tranquille » : Marseille sortie de l’amer…

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Michèle tente de sauver sa fille qui se prostitue pour de la drogue et sa petite-fille encore bébé, pendant que son mari fréquente les milieux d’extrême-droite. Paul accepte son licenciement comme docker pour devenir chauffeur de taxi…

 Movie challenge 2017 : un film sorti l’année de mes dix ans

 Je n’avais pas entendu parler de ce film à sa sortie, et pour cause, La ville est tranquille n’est clairement pas le genre de long-métrage qu’on regarde en famille avec des enfants. J’ai d’ailleurs eu du mal à choisir un film pour cette catégorie du Movie challenge, me rendant compte que j’ai déjà vu ceux des films de cette période qui me tentaient vraiment, et que les autres me paraissaient avoir déjà beaucoup vieilli (oui, je fais du jeunisme culturel acharné, j’ai du mal avec toutes les œuvres qui datent un peu).

Je me suis décidée pour le film de Robert Guédiguian car j’avais beaucoup aimé Les Neiges du Kilimandjaro. J’aime chez ce réalisateur la volonté inlassable de proposer des films sociaux, et même au-delà, car c’est un genre relativement en vogue, des films engagés. Une fois encore, avec La ville est tranquille, on sent que le Marseillais maîtrise son sujet, la classe populaire du Sud-Est. On retrouve également dans ce film Ariane Ascaride (Michèle) et Jean-Pierre Darroussin (Paul), les acteurs fétiches du réalisateur.

Ce sont justement leurs personnages qui m’avaient fait apprécier Les Neiges du Kilimandjaro, par leur engagement et leur bonté. Je m’attendais donc à un film aussi lumineux, or il n’en est rien. On pourrait même dire que La ville est tranquille, au titre sérieusement ironique, est en quelque sorte le pendant sombre des Neiges.

Je ne dévoilerai pas la fin des intrigues croisées qui composent le récit (sans qu’on s’y perde pour autant) mais je mets en garde les âmes sensibles contre la violence des situations évoquées. Sans relâche, les personnages tentent d’améliorer leur existence et surtout celle de leurs proches : Michèle en aidant sa fille toxico comme elle peut, Abderramane en conseillant son frère pour qu’il progresse dans la musique et n’aille pas en prison, Paul en se mettant à son compte pour rassurer ses parents vieillissants… Même les personnages qui incarnent le « mal », comme les militants d’extrême-droite ou Gérard, le trafiquant qui fournit de la drogue à Michèle, semblent en réalité animés par des intentions, sinon bonnes, du moins mêlées. Le discours d’Ameline, aussi cinglé soit-il, prouve une volonté de rapprochement de la nature qui n’est pas mauvaise en soi.

Riche, pertinent et finalement très actuel dans les thématiques qu’il déploie (la précarité, l’avenir bouché qui précipite les jeunes dans la délinquance ou la toxicomanie, le racisme…), le film reste dur et triste, en dépit de quelques notes d’espoir, incarnées par Sarkis, l’enfant prodige qui rêve d’un piano à queue…

À voir mais pas un soir de déprime !