« Blue Valentine » : avant de nous dire adieu

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#MC18, movie challenge 2018

Dean et Cindy sont les parents d’une petite Frankie. Alors que leur chien disparaît, chacun s’enferme dans ses insatisfactions, malgré les souvenirs heureux de leurs débuts…

Movie challenge 2018 : un film avec une couleur dans le titre

Je me souviens avoir découvert l’existence de ce film dans une liste des « meilleurs films romantiques », aux côtés notamment de N’Oublie jamais. Ayant été extrêmement déçue par ce dernier, j’ai un peu hésité à visionner Blue Valentine : et si c’était le même genre de bluette aux personnages agaçants ?

J’ai suivi les conseils des cinéphiles de Twitter qui ont répondu à mon sondage en me conseillant de tenter tout de même. Et sur ce coup-là, ils/elles ont eu bien raison.

Avant The Place beyond the Pines et Une vie entre deux océans, Derek Cianfrance s’attelle à un sujet tristement ordinaire : le délabrement progressif d’une histoire d’amour. J’ai lu ici ou là que ce film était une tragédie, et je ne suis pas d’accord. Si Blue Valentine est tragique, alors c’est la vie même de la plupart des gens qui l’est. Pour ma part je parle de tragédie quand une histoire finit horriblement mal, mais je ne trouve pas ici que ce soit le cas.

La construction subtile et intelligente du film permet en effet au spectateur à la fois d’évaluer l’ampleur des dégâts au sein du couple, mais aussi de comprendre comment on en est arrivé là, voire pourquoi, dès le début, cette situation était en partie prévisible. J’ai trouvé la psychologie des personnages vraiment cohérente et pertinente de ce point de vue

Le film doit beaucoup à ses deux interprètes, Michelle Williams (Suite française, My week with Marilyn) et Ryan Gosling (La La Land, N’Oublie jamais – comme quoi !). Non seulement ils forment un couple crédible à l’écran et réussissent à incarner le passage du temps avec brio (je salue d’ailleurs les costumiers/ères, maquilleurs/euses qui sans débauche d’artifices réussissent à vieillir/rajeunir les personnages), mais ils se glissent de façon naturelle dans la peau de ces gens d’un milieu modeste et peu cultivé où l’on ne trouve comme échappatoires que l’alcool, la cigarette voire la violence. Les scènes de Dean avec la petite Frankie sont particulièrement adorables et sonnent extrêmement justes, apportant au personnage, dès le début du film, un côté fantaisiste et attachant qui permet aussi au spectateur de ne pas le juger par la suite.

J’ai l’impression que je pourrais vraiment passer beaucoup de temps à analyser la trajectoire de ces personnages, la façon dont les actions et les paroles de l’un rebondissent sur l’autre et tout ce que leur histoire contient d’inévitable. On peut dire qu’ils reflètent une certaine réalité sociale, et que toutes les histoires ne tournent pas ainsi, car, certes, leurs choix initiaux conditionnent la suite. Ou on peut voir dans le film un exemple particulièrement criant de l’évolution naturelle des sentiments. C’est sans doute dans la tension entre ces deux options que Blue Valentine se révèle un très bon film.

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« Burning » : allumer l’énigme

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#MC18, movie challenge 2018

À Séoul, Jongsu croise par hasard Haemi, qui a grandi dans le même village que lui. Elle le séduit et lui demande de nourrir son chat pendant qu’elle part en voyage en Afrique. Elle en revient avec un nouvel ami, le riche Ben…

Movie challenge 2018 : un film ni américain ni européen

C’est clairement l’enthousiasme des critiques à Cannes qui m’a rendu curieuse de ce film pas vraiment dans ma zone de confort. Je n’ai pas lu la nouvelle de Murakami dont le film est tiré (« Les granges brûlées »), ni d’ailleurs aucun autre texte de cet auteur, et le cinéma asiatique, de ce que j’en connais, me laisse souvent un peu à la marge par son aspect assez lent et contemplatif.

Le film de Lee Chang-Dong, avec ses 2 h 28, a évidemment produit sur moi l’effet escompté : avec ses plans très longs et parfois répétitifs, il a eu tendance à me faire piquer du nez vers la moitié. Je commençais à m’impatienter jusqu’à ce qu’arrive à l’écran l’autre raison pour laquelle je suis allée voir ce film : Steven Yeun. Fan absolue du couple Glenn-Maggie dans The Walking Dead, je me demandais ce qu’il pouvait jouer d’autre. Et la réponse est apparue sous la forme de Ben, personnage de jeune homme richissime et sûr de lui, faussement chaleureux et vraiment inquiétant. Face à lui, Jongsu (Yoo Ah-In), le protagoniste, un jeune homme issu d’une famille pauvre de la campagne qui rêve de devenir écrivain mais doit retourner liquider les dettes de son père alors que celui-ci est arrêté pour des faits de violence. Entre ces deux hommes opposés aussi bien en tempérament que par leur milieu social, un personnage féminin à la fois gracieux et impudique, l’insaisissable Haemi (Jeon Jong-Seo), qui a envers Jongsu la cruauté des enfants. Le triangle amoureux offre au spectateur quelques scènes d’une beauté folle, notamment lorsqu’Haemi se met à danser à demi-nue dans le soleil couchant.

Sur le fond, le film bascule dans le drame ou le thriller lorsqu’Haemi disparaît mystérieusement, ne donnant apparemment plus de nouvelles ni à Jongsu ni à Ben. Il n’en reste pas moins à mes yeux essentiellement une chronique sociale sur les inégalités criantes de la Corée du Sud, entre les fermes délabrées, les serres abandonnées, les jeunes danseuses criblées de dettes, les taux de chômage affolants… et la vie luxueuse des Gatsby locaux. La comparaison entre Ben et Gatsby est facile, et tient bon jusqu’à la fin, même si le personnage de Fitzgerald est éminemment plus sympathique grâce à son romantisme.

Côté intrigue, le spectateur avide de linéarité et de clarté en sera pour ses frais : Haemi est connue pour mentir comme elle respire, Ben manie la métaphore dans un demi-sourire, et Jongsu est un écrivain en quête d’un bon sujet pour son premier roman. Des trois, qui croire ? On peut un temps imaginer une interprétation à la Swimming Pool glorifiant la créativité de l’écrivain, mais la fin se rabat davantage du côté du thriller plus classique, esquissant un personnage de serial killer tout puissant relativement déjà vu.

Si je ne nie pas l’intérêt du film, lui offrir la Palme m’aurait semblé un peu exagéré… mais je n’ai pas encore vu Une affaire de famille.

« Rendel » ni super ni héros

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#MC18, movie challenge 2018

Un super-héros masqué, Rendel, combat une entreprise pharmaceutique, Vala, qui a mis au point un vaccin contenant des composés douteux : en contact avec la peau, la molécule se fond avec elle et la rend inattaquable…

Movie challenge 2018 : un film qui a eu de mauvaises critiques

Celles et ceux qui me connaissent s’interrogeront, pastichant Molière : « Que diable allait-elle faire dans cette galère ? » En effet, il est de notoriété publique que je ne suis pas fan des super-héros ni des films d’action en général. Pourquoi alors avoir voulu visionner le long-métrage de Jesse Haaja, noté 1,9 étoiles sur 5 et arrosé de critiques acerbes sur Allociné ?

J’aurais eu un argument assez bon sous la main : il s’agit d’une des très rares productions finlandaises à parvenir jusqu’à nous. Moi qui aime beaucoup le cinéma nordique en général, j’aurais forcément été intriguée. Sauf que la vérité est nettement plus prosaïque : je suis tombée sur le début de ce film en zappant, chose que je ne fais qu’en vacances.

J’ai beau n’être pas du genre à démonter gratuitement une oeuvre, j’aurais bien du mal à qualifier ce film d’autre chose que de navet. Scénario, effets, dialogues, acteurs, c’est simple, rien ne va. Sans être une grande spécialiste du genre, j’ai quand même un minimum d’attentes vis-à-vis d’un film de super-héros : ne pas m’ennuyer, et avoir envie de suivre le personnage principal.

Manque de chance, ici, le spectateur ignore pendant plus de la moitié du film l’identité de Rendel. Il peut s’en douter, mais comme plusieurs personnages se ressemblent, il peut aussi s’embrouiller. Et quand bien même, la première apparition de l’homme caché derrière Rendel ne le rend pas particulièrement sympathique. Côté charisme du héros, donc, on repassera. Les « méchants » ne sont pas mieux : un patriarche en costard qui passe son temps à humilier son fils, et ce dernier au look improbable qu’on verrait mieux en train de coder ou jouer du métal qu’à la tête d’un réseau de mafieux. Bon, il ne faut pas juger sur la mine, et le manque d’aura du personnage fait clairement partie de l’histoire mais les confrontations père-fils en deviennent ridicules, et le dénouement de leur relation attendu.

Le combat entre Rendel et l’entreprise de la famille Erola se déroule sans grande surprise, Rendel utilisant des véhicules emplis de preuves pour remonter à la source (en même temps il a travaillé pour cette entreprise, qu’avait-il donc besoin de ces camions pour savoir où trouver ses proies ?). Les combats en temps que tels sont mal filmés, avec des effets ultra cliché (des ralentis par exemple), des éléments mal exploités (un crochet auquel personne ne sera accroché quand bien même les protagonistes se battent autour pendant 5 bonnes minutes). Et les punchlines sont pitoyables, dignes d’une mauvaise parodie (« le cuir noir c’est ringard », dixit).

La naissance du super-héros, qui aurait dû constituer une des scènes les plus marquantes, s’enfonce dans la violence gratuite (montrer un enfant se prendre une balle en pleine tête n’est pas forcément d’une grande utilité), et pose la question de la vraisemblance du personnage (il s’enduit la tête mais pas le corps, pourquoi ? et surtout, comment et où cet employé de bureau apprend-il à se battre ?).

Bref, rien à sauver dans ce film grotesque jusqu’à sa dernière réplique (qui laisse malheureusement augurer d’une suite). Ce n’est pas le cinéma finlandais qui me réconciliera avec le film de super-héros, je le crains ! Le film aura au moins eu un mérite : me faire compléter cette catégorie du Movie challenge qui ne m’inspirait guère !

« L’opinion publique » : si imparfaits et si affreux

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#MC18, movie challenge 2018

Marie et Jean s’aiment en dépit de leurs familles et projettent de quitter leur village pour s’établir à Paris. Mais alors que Jean est allé chercher sa valise, laissant Marie à la gare, son père décède brutalement et il renonce à partir…

Movie challenge 2018 : un film muet

Pour cette catégorie du Movie challenge 2018, j’avais depuis le début décidé de voir un film de Charlie Chaplin. C’est un des rares cinéastes antérieurs au cinéma en couleur dont je connais assez bien l’œuvre et que j’apprécie beaucoup. J’ai même travaillé sur son cinéma lors d’un cours il y a quelques années, ce qui m’avait donné l’occasion de découvrir quelques films moins connus que Les Temps modernes ou The Kid.

Et pourtant, je n’avais jamais entendu parler de L’Opinion publique, et je me suis rendu compte en sondant mon entourage que ce film est vraiment méconnu. Premier film de Chaplin dans lequel il n’apparaît pas en tant qu’acteur (il fait juste un caméo), A woman of Paris, d’après son titre original, est aussi à mes yeux le premier film de Chaplin où il ne vole pas la vedette à Edna Purviance, sa comédienne fétiche, car ici c’est bien la femme le rôle central.

Très différent dans son ambiance des autres films du réalisateur, celui-ci a connu un échec en salles à sa sortie tant il a déstabilisé les spectateurs habitué au burlesque social qui fait la patte Charlot. Ici c’est au drame intimiste que se frotte le réalisateur et je comprends qu’il ait été déçu car il compose un film de grande qualité.

Bien sûr, on retrouve deux de ses acteurs habituels (Edna Purviance et Carl Miller) et quelques éléments comiques parsemés entre deux scènes sérieuses (par exemple lorsqu’une amie de Marie utilise discrètement un saxophone comme cendrier). On pourrait trouver dans le jeu sur les différentes pièces (un personnage entend une conversation derrière une porte, etc) quelque chose du théâtre de boulevard. Mais au fond, en dépit de l’apparente légèreté des personnages, on sent que la tragédie rôde.

Et n’allons pas croire que, parce qu’une femme donne son nom au titre, il s’agisse d’un film féministe avant l’heure. Marie St Clair, comme toutes les jeunes femmes du film, est frivole, légère, inconséquente, orgueilleuse et ne sait pas ce qu’elle veut. Les hommes, quant à eux, sont soit des malotrus qui s’amusent avec les femmes et les traitent comme des objets voire des jouets que leur argent leur permet d’acheter (Pierre Revel) soit des lâches qui n’ont pas le courage de choisir leur propre vie indépendamment du qu’en dira-t-on ou de la bénédiction familiale (Jean Millet). Aucun beau personnage aux sentiments purs ne vient sauver cette histoire de la médiocrité humaine. Paris fait alors figure de lieu de débauche, et, comme souvent chez Chaplin, c’est dans l’humilité matérielle et le soin aux orphelins que le cœur impur peut trouver à se racheter. On passera sur cette morale d’un autre temps pour garder en tête ce film dont la noirceur n’a d’égale que la gaieté des plans festifs, un peu à l’image d’un Gatsby.

« Woman at war » : héroïne à l’Antique

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#MC18, movie challenge 2018

Halla est prof de chant, mais elle est aussi combattante. Contre un projet industriel qui menace de défigurer son pays, elle lutte avec les moyens du bord et la complicité d’un officiel du ministère…

Movie challenge 2018 : un film européen hors France

Présenté lors de la semaine de la critique à Cannes (il a reçu le prix SACD), le film de Benedikt Erlingsson m’avait séduite sur la base de quelques éléments épars : une héroïne, l’Islande, un film engagé. À part ça, je ne savais pas trop à quoi m’attendre.

Et je pense que même si j’en avais su davantage concernant le scénario, j’aurais tout de même eu quelques surprises avec ce long-métrage étonnant qui mêle plusieurs thèmes forts et quelques idées tirant du côté de l’absurde pour proposer une sorte de conte philosophique des temps modernes mêlant réalisme et onirisme.

La « bizarrerie » la plus flagrante du film, c’est sans doute la gestion de la musique. En effet, la bande originale est interprétée par une petite formation de 3 musiciens qui apparaissent à l’écran, peu à peu accompagnés de 3 choristes en tenue traditionnelle ukrainienne. Ce procédé qui consiste à faire des musiciens des personnages à part entière avait déjà été expérimenté : je venais justement de découvrir Les Sentiments dans lequel le chœur tient un rôle assez similaire. Ici les instrumentistes représentent en quelque sorte le combat d’Halla pour la nature : la musique s’accélère au rythme du cœur tambourinant d’inquiétude de la militante lorsqu’elle risque d’être attrapée, puis se calme lorsqu’elle s’allonge le visage dans la mousse. Les choristes représentent le deuxième thème majeur du film, sur lequel la promotion du film a moins insisté : la famille.

En effet, si le film a clairement pour objet le militantisme écologique, le spectateur n’aura pas tant que ça de détails à disposition pour comprendre pleinement les tenants et les aboutissants de la guerre que livre Halla contre l’industrie islandaise. À peine perçoit-on qu’elle coupe l’électricité régulièrement pour dissuader les Chinois de signer un contrat avec une entreprise de son pays.

Car cette figure d’Artémis profondément amoureuse de la nature, qui lutte quasi seule (son allié lui apporte des informations mais aucun soutien logistique) n’est pas si isolée qu’on peut le croire au début du film : Halla se découvre par hasard un cousin éloigné qui lui sauve la mise à plusieurs reprises, elle a également une sœur jumelle prof de yoga aux préoccupations toutes spirituelles… et bientôt peut-être un enfant, lorsqu’elle apprend que la procédure d’adoption engagée 4 ans plus tôt pourrait aboutir.

En choisissant de ne pas dévoiler le passé de son héroïne, ni les détails de son combat, le réalisateur fait d’Halla (épatante Halldora Geirhardsdottir) une figure quasi mythologique, qui, comme dans les grandes tragédies de l’époque, doit choisir entre plusieurs combats, entre son désir de sauver les montagnes islandaises ou une petite ukrainienne.

Mené tambour battant, volontiers drôle (notamment avec la figure du touriste toujours au mauvais endroit au mauvais moment), touchant sur la fin, ce film qui flirte avec le symbolique et le dérangeant s’inscrit dans la lignée des grandes réussites nordiques, pas si loin d’un Ruben Östlund.

« Ocean’s 8 » : ça passe et ça fait le casse

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#MC18, movie challenge 2018

Debbie Ocean, la sœur de Danny, sort de prison en liberté conditionnelle. Aussitôt elle recontacte son associée Lou et décide de monter le vol spectaculaire d’un collier Cartier au Met Gala…

Movie challenge 2018 : un film que personne ne s’attendait à ce que j’aime

J’admets, je ne serais peut-être pas allée voir Ocean’s 8 en salles si je n’avais pas pris récemment la carte illimitée. Mais c’est bien pour cela que je ne regrette pas mon choix, qui me permet de découvrir sur grand écran des films pour lesquels, sinon, j’aurais probablement attendu une sortie VOD.

Ado, j’avais été emballée par Ocean’s eleven, et pourtant je n’avais pas vu les deux suites de Soderbergh. Et puis, la bande-annonce de cet opus réalisé par Gary Ross (pour beaucoup « le réalisateur d’Hunger Games », pour moi celui de Pur-sang, un des films fétiches de mon adolescence) m’a bien accrochée.

J’ai remarqué que mon envie d’aller voir ce film surprenait mon entourage. Quoi, moi l’amatrice de films indés, j’allais voir cette grosse prod comme tout le monde ? Et bien sûr, j’ai entendu les arguments attendus : « les suites c’est du marketing » et « tout ça pour tirer profit de #Balancetonporc et compagnie ». Il se trouve que ce film au casting féminin était prévu bien avant ces récents événements, mais passons.

Dès la première scène, le film joue clairement avec son héritage puisqu’il nous présente Debbie Ocean, sœur de Danny, en train de plaider sa cause pour obtenir une libération conditionnelle. La suite du scénario reprend la trame habituelle de la franchise : Debbie retrouve son associée, monte un plan pour réaliser un casse impressionnant, regroupe une équipe aux talents divers pour l’accomplir, et en profite pour caser dans l’affaire une vengeance personnelle. Certes, on reste proche de l’histoire du premier « Ocean ». Mais n’est-ce que pas ce qu’on attendait ?

Pour ma part j’y suis allée dans l’optique d’un pur moment de divertissement et j’ai trouvé que le film remplissait son rôle haut la main. Le plan du casse est bien ficelé, regorge de surprises jusqu’à la fin, met en scène des péripéties bien amenées. Un poil moins tendu qu’Ocean’s eleven, le film réussit à donner l’envie d’en voir toujours plus : plus de bijoux volés, plus de stratégies délirantes mais qui fonctionnent, plus de pièges déjoués. Ce goût de revenez-y est pour moi la preuve que le contrat est rempli !

Côté casting, si certains noms avaient pu me laisser sceptiques (Rihanna ?), j’ai finalement trouvé que chacune était bien dans son rôle, de la mère de famille en apparence rangée (Sarah Paulson), à la créatrice de mode déchue (Helena Bonham Carter, qui nous offre une scène en français d’anthologie). Surtout, j’applaudis bien fort le tandem Sandra Bullock-Cate Blanchett qui emporte l’adhésion. Quel plaisir de voir ces deux actrices aux carrières bien remplies, d’une moyenne d’âge de plus de 50 ans, dans ces rôles badass de femmes hors-la-loi, à la fois intelligentes, sexy et fortes ! « Fais-le pour la petite fille de 8 ans dans son lit quelque part qui rêve de devenir une criminelle » dit Debbie à ses troupes. On peut interroger la pertinence de ce rêve pour un(e) enfant, mais pas l’intention : prouver qu’une team féminine est capable de la même chose qu’une équipe masculine. Y compris de faire le casse.

« Miss Stevens » : deux âmes jumelles

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#MC18, movie challenge 2018

Rachel Stevens, prof de littérature en Californie, accepte d’emmener en voiture trois de ses élèves à un concours de monologues de théâtre. Le proviseur la prévient que l’un d’eux présente des troubles du comportement… 

Movie challenge 2018 : un premier film

Je ne vais pas m’en cacher, c’est en fouinant dans la filmographie de Timothée Chalamet que je suis tombée sur ce film. Rapidement intriguée par le pitch, qui rassemblait plusieurs de mes marottes (l’adolescence, le métier de prof…), j’ai donc décidé de visionner au plus vite le premier film de Julia Hart, hélas jamais sorti en salles en France.

Je dois dire qu’une fois de plus je suis agacée de constater que certains films qui me semblent sans grand intérêt trouvent leur place au cinéma quand nombre de films indépendants de grande qualité sortent en catimini en VOD.

J’ai vu Miss Stevens en clôture d’un week-end où j’avais déjà visionné 4 autres films, diversement appréciés, et celui-ci a vraiment été mon coup de cœur.

Dès le premier plan, montrant Rachel en larmes dans une salle de théâtre qui se vide, j’ai senti que j’allais adhérer au personnage. Je ne connaissais pas Lily Rabe (j’ai découvert depuis qu’elle joue dans American Horror Story) et cela m’a peut-être aidée à croire à 100 % à son personnage. Jeune prof motivée, passionnée, angoissée, on sent qu’elle est très investie auprès de ses élèves, ne serait-ce que parce que, comme le révèle par la suite Margot, elle a accepté de les emmener alors que tous les autres enseignants avaient refusé.

Bien qu’elle se dise solide, Rachel est également pétrie de failles : si on la voit pleurer dès l’introduction, on sent bien qu’elle pourrait s’écrouler à tout moment. Et alors que Margot et Sam, en adolescents typiques, sont complètement absorbés par leurs propres problématiques (pour Margot, la bonne élève, l’idée de faire renaître les arts dans leur lycée en remportant un prix ; pour Sam, la perspective de rencontrer un amoureux), Billy est clairement intrigué par ce mélange de détermination et de fragilité qu’il perçoit chez l’enseignante.

Un peu à la manière d’un Little Miss Sunshine, ce film sans prétention utilise le voyage comme un révélateur pour les personnages qui, sous l’effet de leur cohabitation durant 3 jours, vont chacun avancer dans leur parcours individuel. Rapidement, Margot et Sam sont relégués au second plan, même si chacun a droit à son arc narratif, au profit de la relation un peu étrange qui commence à se nouer entre Billy et Rachel, faite de non-dits et de confidences, d’interdits à demi transgressés. Ce sont deux âmes torturées qui se reconnaissent et c’est ce que j’ai trouvé très beau et bien filmé par Julia Hart, qui, pour une première réalisation, ne manque pas de subtilité.

« Comme une image » : l’écrivain, un père pas comme les autres

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#MC18, movie challenge 2018

Lolita rêve de devenir chanteuse lyrique, et prend des cours auprès de Sylvia, qui ne croit guère en son talent. Jusqu’au jour où elle découvre que son élève est la fille d’Étienne Cassard, célèbre écrivain et éditeur. Cela tombe bien, le mari de Sylvia est auteur… 

Movie challenge 2018 : un film réalisé par une actrice qui joue dedans

Après ma découverte de Place publique, j’ai décidé d’explorer plus avant la filmographie de Jean-Pierre Bacri, et en particulier ses collaborations avec Agnès Jaoui. J’ai commencé par Comme une image, qui me permettait de remplir cette catégorie du Movie challenge, et de mettre à l’honneur une réalisatrice française de talent.

Ici c’est une histoire de famille qui nous est encore une fois racontée au travers d’un film choral dans le milieu de l’édition et des écrivains, un sujet qui m’intéresse forcément tout particulièrement. J’ai trouvé la charge assez juste et bien vue contre ces gens souvent imbus d’eux-mêmes (Bacri et Laurent Grévill), plus ou moins déprimés, qui ne pensent qu’à leur carrière et sont prêts à se vendre à la télévision pour mieux la faire décoller. Au-delà de ce propos un brin amer, la réalisatrice explore la relation entre l’écrivain, sa cour (le souffre-douleur aka l’assistant, incarné par Grégoire Oestermann, un des éternels seconds rôles du cinéma français, la groupie : Agnès Jaoui, l’éditrice : Michèle Moretti), et sa famille : sa grande fille Lolita, personnage central du film, sa jeune épouse Karine (Virginie Desarnauts).

Étienne est un père peu présent pour Lolita, et la jeune femme n’a de cesse d’essayer d’attirer son attention par ses réussites (en particulier son talent pour le chant) ou en accourant dès qu’il l’appelle au secours, trop heureuse de lui être utile. Par ailleurs, Lolita manque de repères familiaux et trouve un modèle en Sylvia, qui, comme les autres, ne s’intéresse à elle que pour son père.

Comme dans un jeu de quilles, chacun fait rebondir ses souffrances, ses déboires, ses frustrations et son égocentrisme sur les autres : Lolita (Marilou Berry) souffre de l’absence de reconnaissance paternelle et le fait payer à Sébastien, son soupirant ; Pierre sacrifie son ami Félix et son éditrice Édith dès lors qu’Étienne a posé les yeux sur lui et accepté de l’aider à faire décoller sa carrière, on sent bien que Sylvia serait prête à quitter son mari pour Étienne, si celui-ci n’avait pas d’yeux que pour les jeunettes comme Karine, qu’il se permet de molester verbalement à l’envi, la considérant comme son faire-valoir.

C’est certes assez méchant mais c’est surtout férocement drôle, avec des répliques cultes du style « J’ai écrit deux phrases, j’étais content et puis je me suis rendu compte que je les avais déjà mises dans un précédent livre » ou encore « Il y a du cyanure dans la salle de bains ! »

Je ne m’attendais pas à rire autant et j’ai vraiment passé un bon moment devant cette comédie de mœurs aussi réjouissante qu’acide.

« Avant que de tout perdre » : tout quitter

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#MC18, movie challenge 2018

Julien sort discrètement de chez lui et va se cacher sous un pont voisin. Quelques instants plus tard, sa mère le récupère en voiture et va chercher à l’arrêt de bus Joséphine, la grande sœur de Julien… 

Movie challenge 2018 : un court-métrage

Marquée comme beaucoup de spectateurs par Jusqu’à la garde, la claque du début d’année, j’avais découvert par la suite que le film s’appuyait sur Avant que de tout perdre, court-métrage multi-primé de 2013, mettant en scène les mêmes personnages centraux et constituant en quelque sorte le début de l’histoire.

Et en effet, les mêmes personnages sont incarnés par les mêmes acteurs, à l’exception de Julien (Miljan Chatelain dans le court, Thomas Gioria dans la suite). La réalisation et le montage de Xavier Legrand sont conformes à ce qui apparaissait dans Jusqu’à la garde : une sobriété, un réalisme et un sentiment d’urgence dominent l’ensemble des 30 minutes, qui passent en un clin d’œil pour le spectateur.

La particularité de ce court-métrage, par opposition au film sorti en salles auquel il a donné lieu, c’est que, d’emblée, nous comprenons la situation et nous savons distribuer les torts. Là où Jusqu’à la garde démarrait sur un doute dans la salle d’audience de la juge, laissant au spectateur le temps d’élaborer plusieurs hypothèses et de douter des versions de chacun, ici, nous savons dès l’abord qui a commis quoi et pouvons identifier « les gentils » et « le méchant » de façon bien plus manichéenne.

Film sous tension, faisant grimper le stress à coup de sonneries de téléphone (un accessoire très présent également dans le long-métrage), Avant que de tout perdre met le doigt sur une réalité que personne n’a envie de voir, celle des femmes violentées qui un jour finissent par décider de partir pour se protéger et protéger leurs enfants. Ici, le réalisateur choisit de doter Miriam d’un entourage professionnel globalement bienveillant, puisqu’elle vient trouver refuge sur son lieu de travail et que ses collègues et sa hiérarchie se montrent tous compréhensifs voire complices pour l’aider à surmonter cette épreuve. Compte tenu du niveau de stress présenté dans le film, on n’ose imaginer ce que l’histoire aurait pu être sans ces complicités…

Un premier film à la fois intime et social, qui a permis à son réalisateur d’aboutir à un long-métrage encore plus fort, donnant plus de place aux enfants.

« The Great Gatsby » : « même si tu revenais… »

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#MC18, movie challenge 2018

Nick Carraway arrive de l’Ouest américain pour travailler à New York, et y retrouve sa cousine Daisy, mariée à Tom. Elle lui présente son amie Jordan, golfeuse, qui connaît Gatsby, le richissime voisin de Nick…

Movie challenge 2018 : un remake ou un film qui a fait l’objet d’un remake

Après avoir lu le roman de Scott Fitzgerald le mois dernier, j’ai enfin pu me lancer dans une étude comparative des deux adaptations les plus connues, celle de Jack Clayton (1975) et celle de Baz Luhrmann (2013).

Sur le papier, je craignais un peu que la première ait beaucoup vieilli et que la deuxième n’en fasse trop. J’ai toujours eu du mal avec les films de Baz Luhrmann, que je trouve généralement excessifs et maladroits dans leur mise en scène extravagante.

Ce que je n’avais tout de même pas prévu, c’est de piquer du nez devant le film de Jack Clayton. Certes, les décors sont très bien choisis : la maison de Nick et celles de Daisy correspondent exactement à ce que j’avais en tête à la lecture (celle de Gatsby un peu moins), et les acteurs également, en particulier Jordan Baker, dont les saillies pétillantes rajoutent du sel aux dialogues. Le film a beau être dans l’ensemble très fidèle au texte, parfois au mot près, de la scène d’ouverture aux dialogues les plus mémorables, le réalisateur a ajouté des longueurs superflues en se détachant du point de vue de Nick. En effet, il a inséré des scènes en tête-à-tête entre Gastby et Daisy, où le narrateur n’est pas présent, et qui semble un peu mièvres et surannées, au point de perdre l’attention du spectateur. Robert Redford incarne un Gatsby très sobre alors que Mia Farrow minaude avec une voix de fillette insupportable et que Bruce Dern peine à remplir le costume du « lourdaud » Tom Buchanan. J’ai donc eu du mal à suivre les 2h18 du film sans m’endormir, et j’ai trouvé que, malgré l’atmosphère très bien rendue des fêtes de Gatsby, le film passait à côté d’une partie du récit en occultant la jeunesse de Jay.

De son côté, le film de Baz Luhrmann a été assez conforme à mes attentes, aussi bien dans ses qualités que dans ses défauts. À l’exception de Jordan, plus froide et en retrait que dans la version de Clayton (Elizabeth Debicki n’était déjà physiquement pas le bon choix pour incarner la golfeuse bronzée et sportive), le casting m’a semblé nettement mieux choisi dans ce film pour rendre les personnages vivants et attachants. Le tandem Maguire-Dicaprio, notoirement amis à la ville, est une très bonne idée pour rendre compte de l’admiration de Nick pour son voisin et de l’attachement progressif entre les deux hommes. Clairement, Leonardo Dicaprio, qui possédait encore à l’époque un peu de l’expression juvénile de Titanic, est LE choix idéal pour incarner le sourire chaleureux, le romantisme conquérant et la filouterie parfois brutale de Gatsby. Face à lui, Carey Mullighan campe une Daisy plus sympathique et manifestement éprise que Mia Farrow. La crédibilité du couple est renforcée par les flashbacks, qui mettent en lumière leur rencontre et le passé de Gatsby depuis l’enfance. Je n’ai pas été dérangée par le parti-pris qui fait de Nick l’auteur du roman, et j’ai même trouvé assez élégante la façon de surimprimer les phrases les plus lyriques du livre à des plans très esthétiques. Clairement, il y a de très belles choses dans ce film, en particulier la scène d’ouverture avec la lumière verte, qui copie, en mieux, celle de Clayton. Hélas, le film pèche par ce qui m’a toujours exaspéré chez Luhrmann : une débauche d’effets, de mouvements de caméra dans tous les sens, de costumes délirants aux couleurs criardes (la fête dans l’appartement de Myrtle ressemble à une parodie façon Le cœur a ses raisons), et sa bande-originale tapageuse qui fatigue les tympans à coups de remix vaguement charleston de tubes du moment : une fois encore le mélange des époques ne sert à rien qu’à sortir le spectateur de l’histoire.

Bref, l’adaptation idéale aurait sans doute été intermédiaire entre le côté un peu mièvre et lisse de Clayton et le délire pourtant bien incarné de Luhrmann.