« Tel père, tel fils » : un long fleuve tranquille ?

Ryota, architecte, et son épouse, ont toujours tout fait pour que leur fils devienne brillant. Alors que Ryota s’inquiète du caractère doux et peu ambitieux de Keita, la maternité où l’enfant est né lui apprend qu’il y a eu un échange de nourrissons et que Keita n’est pas son fils… 

Movie challenge 2017 : un film d’un réalisateur asiatique

L’an dernier, pour cette même catégorie du Movie challenge, j’étais tombée un peu par hasard sur Nobody Knows. Plutôt séduite, j’ai décidé de faire confiance une fois encore à Hirokazu Kore-eda, en choisissant Tel père, tel fils.

Avant même d’avoir vu le film, j’avais l’impression qu’il s’agissait d’une sorte de remake japonais de La vie est un long fleuve tranquille : deux familles de milieux sociaux très différents, deux enfants échangés à la naissance… Le sujet est bien le même, mais le traitement diffère.

Fidèle à lui-même, le cinéaste installe une atmosphère sans se précipiter, prend le temps de nous montrer le quotidien de Keita avec ses parents, dans des scènes de la vie courante apparemment insignifiantes mais que la caméra sait rendre révélatrices en fixant un regard, un geste, une expression. Je trouve que le cinéma asiatique a souvent un côté très contemplatif, et la façon de traiter les sujets familiaux de Kore-eda s’inscrit dans cette veine, avec une certaine lenteur, de longs plans sur les visages des protagonistes (voire sur leurs mains ou leurs pieds).

C’est un rythme auquel j’ai un peu de mal à m’adapter, moi qui suis plutôt amatrice de dynamisme, d’intensité et de répliques qui font mouche. Pourtant je ne peux pas nier un certain charme à ce film, ni une certaine finesse dans l’analyse de la société japonaise qui transparaît dans l’opposition de deux modèles familiaux. D’un côté, les Nonomiya incarnent la volonté de réussir, la rigueur, le travail acharné, le sérieux emblématiques du pays. De l’autre, les Saiki sont pour nous, occidentaux, plus loin du cliché : dans leur petite boutique d’électroménager, le père vend de tout et répare les jouets des enfants, et la maison retentit sans cesse des rires des trois gamins laissés libres de leurs occupations. Par comparaison avec Ryota, qui semble presque sans cœur, la famille Saiki, notamment le père, sont beaucoup plus attachants pour le spectateur, car l’amour qu’ils portent à leurs enfants est nettement plus évident.

Si le cheminement de l’intrigue n’est pas très surprenant, on peut quand même être touché par l’évolution de Ryota qui, au contact des Saiki et de Ryusei, son fils biologique, découvre un autre mode de vie et une nouvelle façon d’envisager sa paternité. J’ai bien aimé également les rôles féminins : même si on les voit moins, les deux femmes font preuve de plus d’empathie et de solidarité que leurs maris dans cette épreuve.

Un joli film délicat et touchant sur la parentalité, qui reste pour moi une forme d’expérience sortant de ma zone de confort cinématographique.

 

« Love & Friendship », le plus caustique des Jane Austen

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Lady Susan arrive à Churchill précédée de sa réputation de séductrice. Pourtant, le frère de sa belle-sœur ne tarde pas à la trouver brillante et à la défendre auprès de tous. Jusqu’au jour où Frederica, fille de Lady Susan, les rejoint après avoir fugué de son pensionnat, suivie par James Martin, son prétendant…

Movie challenge 2017 : un film qui se déroule avant le XX^e siècle

Pas de panique si la migraine vous guette rien qu’à la lecture de mon résumé du film de Whit Stilman. Comme dans toutes les adaptations de Jane Austen (que j’ai presque toutes vues), les personnages sont assez nombreux et leurs connexions sociales pas toujours aisées à démêler.

Attirée par les critiques qui faisaient de Love & Friendship un film un peu différent, plus noir et drôle que les autres Austen, j’étais impatiente de le découvrir. Pourtant, la fausse bonne idée du générique présentant tous les protagonistes de l’histoire m’a plus perdue qu’autre chose au départ. Lorsque l’histoire a démarré, j’en étais encore à essayer de comprendre qui était la belle-sœur de truc et qui le fils de bidule. Heureusement, cette présentation n’était pas si nécessaire.

En effet rapidement l’histoire se met en place et l’on comprend qui est qui est quels sont les enjeux. Lady Susan (Kate Beckinsale, que j’ai appréciée de voir dans autre chose que des films de vampires) concentre les regards mais aussi les critiques en raison de son statut de séductrice. Comme le dit plus tard le nigaud James Martin (Tom Bennett, qui a dû se régaler à jouer ce personnage d’imbécile heureux), ce comportement frivole et cet appétit sensuel sont à l’époque tolérés chez les hommes, mais pas chez les femmes. En cela Lady Susan aurait pu apparaître comme un personnage féministe avant l’heure, revendiquant sa liberté amoureuse et sexuelle.

Or ce n’est pas vraiment ce qui ressort de ce personnage, qui ne s’inscrit pas dans la lignée d’une Elizabeth Bennett encore plus audacieuse. Non, si ce récit est bien différent à mes yeux des autres œuvres de Jane Austen, c’est parce qu’il ne s’attache pas à suivre une jeune héroïne à laquelle le spectateur peut s’identifier. Ici, le personnage féminin qui se rapproche le plus de l’héroïne austenienne (dans une veine plutôt douce façon Elinor que Elizabeth Bennett), c’est Frederica, la fille de Lady Susan, qui ne peut se résoudre à épouser le stupide prétendant auquel sa mère est prête à la vendre.

Car Lady Susan est un personnage de femme aussi belle et intellectuellement brillante que son cœur paraît sombre. Certes, l’histoire nous permet de comprendre ses motivations : elle est veuve et désargentée, ne possède pas de propriété et doit donc vivre sans cesse chez des parents, et elle n’a pas les moyens de payer l’éducation de sa fille. Elle doit donc absolument trouver une source de revenus pour éviter de se retrouver à la rue. Pour autant, si cet aspect de la situation est suffisamment bien développé pour nous permettre de compatir, les actes et les paroles de Lady Susan retournent le spectateur contre elle. Plus que son rapport aux hommes, qui ne sont envisagés que comme des partis potentiels (en particulier le jeune Reginald DeCourcy, un peu fade), ce qui choque est son absence d’amour pour son enfant, dont elle ne prend aucunement en compte le tempérament et les aspirations. Cela conduit à un portrait un peu lisse de la jeune fille, que l’on aperçoit surtout dans ses interactions avec sa mère.

Je n’ai pas lu le roman, mais j’ai trouvé que Whit Stilman proposait une version assez caustique de cette histoire. Sous les magnifiques décors et costumes et le côté assez cérémonieux des relations sociales de l’époque se cache un film incisif avec des scènes particulièrement drôles, comme lorsque la suivante de Lady Susan renchérit sur tout ce qu’elle dit, alors même que celle-ci est d’une mauvaise foi évidente. Et bien sûr, toutes les apparitions de James Martin sont une occasion de rire à ses dépens.

J’ai bien aimé ce ton particulier, mais je ne suis pas certaines que le film ravira tous les fans de Jane Austen, car ce qu’il gagne en humour et en critique sociale, il le perd du côté du romantisme et de l’attachement que l’on pourrait éprouver pour les personnages. Plutôt un plaisir intellectuel qu’émotionnel donc, en dépit d’un titre qui aurait laissé présager l’inverse.

« Victoria » : nuit de folie

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Victoria, jeune madrilène fraîchement installée à Berlin, rencontre un groupe de jeunes hommes à la sortie d’une boîte de nuit. Ils lui proposent de lui faire visiter la ville telle qu’elle ne l’a jamais vue et l’entraîne dans un périple nocturne…

 Movie challenge 2017 : un film avec un prénom dans le titre

Je n’avais pas forcément ce film en tête pour cette catégorie, mais lorsqu’il est passé sur arte, une de mes sources officielles de rattrapage de films, je me suis souvenue qu’il m’avait intriguée lors de sa sortie au cinéma. Il faut dire que depuis Birdman, je me suis prise d’un intérêt particulier pour les plans-séquences. Je trouve cette façon de filmer particulièrement immersive et impressionnante de dextérité. Même si, dans les faits, beaucoup de ces fabuleux plans-séquences sont des faux, avec des coupes cachées (c’est le cas à certains moments dans Birdman, mais aussi de l’ouverture de La La Land, entre autres).

Or Victoria a la particularité d’être un vrai plan-séquence. Autrement dit, les 138 minutes de film sont tournées en une seule fois. Une prouesse que je devais absolument visionner. Et finalement, passées les premières minutes, j’ai peu à peu oublié la technique. Car le film sait nous plonger dans une atmosphère qui embarque le spectateur au point de ne plus prêter attention au mouvement de la caméra qui, fluide, suit les personnages dans leur errance. Sombre dans l’ensemble, l’ambiance est par instants électrique, et crée une tension chez le spectateur. En tout cas pour ma part, j’ai craint dès le début que les jeunes hommes ne causent du tort à Victoria, et l’absence de méfiance de la jeune fille m’a étonnée. Je m’attendais presque à une scène de viol. Mais peu à peu, j’en suis venue à penser que Sonne (Frederick Lau) et sa bande étaient plus immatures et saouls que méchants. Et pourtant une forme de tension perdure jusqu’au petit matin, lorsque l’intrigue se met réellement en place. Vers le milieu, le film souffre de quelques longueurs, une fois que l’inquiétude première s’est dissipée et qu’on se contente d’assister aux pérégrinations du petit groupe sur les toits de la capitale allemande. Mais le film bascule ensuite dans un thriller énergique et glauque qu’on avait vu venir mais qu’on pensait s’être éloigné.

Cette construction un peu étrange qui part de l’angoisse pour nous y replonger, après un centre mou (excepté la très jolie scène où Victoria joue du piano, sans doute la plus touchante du film), est compensée par la vitalité des acteurs. J’ai été ravie de retrouver une partie du casting de La Vague (Frederick Lau et Max Mauff, aussi vu dans Sense8), et c’est sans doute la présence de ces acteurs qui m’a fait songer que l’histoire risquait de mal tourner. Si son interprète a pris quelques années, on retrouve en Sonne quelque chose de Tim, le jeune maladroit prêt à commettre toutes les folies pour prouver sa valeur. Laia Costa, surtout, crève l’écran, dans ce personnage de jeune fille téméraire jusqu’à l’absurde, prête à tout sacrifier pour des gens qu’elle vient de rencontrer, désireuse de fêter encore et encore l’adrénaline nocturne, comme pour rattraper ces années d’entraînements musicaux si sérieuses.

Qu’importe si l’ensemble a quelques faiblesses, et si j’ai vu venir la fin, il y a dans ce film un sentiment d’urgence et des fulgurances intéressantes, qui font oublier que Sebastian Schipper réalise là un tour de force technique.

« La fille de Brest » : du courage

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Irène Frachon, pneumologue à Brest, découvre que plusieurs de ses patients qui ont pris du Médiator souffrent d’une même pathologie des valves cardiaques. Elle alerte l’unité de recherche de l’hôpital et les autorités sanitaires… 

Movie challenge 2017 : un film réalisé par une femme

 Au départ, j’ai hésité à aller voir ce film au cinéma, parce que les histoires vraies, ce n’est jamais trop mon truc. Et pourtant, je savais que je finirais par le voir, ne serait-ce que pour Sidse Babett Knudsen, dont j’explore peu à peu la filmographie avec délice et des surprises renouvelées. J’avais cru qu’avec les trois saisons de Borgen puis en jouant en français dans L’Hermine, l’actrice danoise nous avait montré tout ce dont elle était capable. Que nenni !

Franchement, je ne m’y attendais pas, mais j’ai vraiment beaucoup aimé cette Fille de Brest. Je tire mon chapeau à Emmanuelle Bercot pour avoir réussi à filmer un sujet pas forcément très palpitant (de la recherche médicale et des commissions pour décider ou non de l’interdiction d’un médicament), ni très simple (un certain nombre de concepts médicaux tout de même), de façon extrêmement vivante. C’était le premier film que je voyais de cette réalisatrice, dont les choix en tant qu’actrice me laissent plutôt dubitative, mais je vais sans doute m’intéresser de plus près à sa filmographie.

Certes, pour aboutir à ce scénario suffisamment romanesque, les scénaristes se sont autorisés quelques entorses à la réalité en composant une Irène Frachon plus « grande gueule » et un professeur Le Bihan au contraire moins courageux et plus fragile que l’homme dont il est inspiré. Mais l’ensemble fonctionne très bien d’un point de vue cinématographique.

L’histoire emporte le spectateur et le tient en haleine : on adhère au combat d’Irène, à son souci- pour les malades, et on a vraiment envie de la voir réussir. Bien sûr cela ne va pas sans une certaine caricature des dirigeants du laboratoire Servier, absolument révoltants de cynisme. Mais cela fait du bien de voir une femme se battre pour des convictions humanistes, contre les préjugés, les habitudes et l’argent. Le film m’a fait passer par toutes les émotions, la colère, la tristesse, la révolte, mais aussi la détermination, l’optimisme, et même le rire ! Je ne m’attendais pas à m’amuser devant ce sujet grave, et pourtant !

Il faut dire que le long-métrage doit énormément à la fabuleuse prestation de Sidse Babett Knudsen. Je n’en reviens pas qu’elle n’ait pas été primée pour ce rôle, à vrai dire. Elle réussit à incarner un personnage extrêmement attachant, à la fois très sérieuse et empathique dans son travail, déterminée et audacieuse, mais aussi parfois faillible (la scène avec son mari dans la cuisine est très touchante) et dotée d’un fort caractère parfois déluré voire hilarant. J’ai adoré voir l’élégante Sidse (vous ne m’en voudrez pas de l’appeler par son petit nom) faire le pitre, grimacer, crier, danser, proférer des insultes et se mettre à parler toute seule en danois. Elle révèle ici un potentiel comique plus important que je ne lui avais soupçonné.

Un film à voir à la fois en hommage au combat admirable de la réelle Irène Frachon et pour passer un bon moment ! Attention quand même à deux scènes d’opération pour les âmes sensibles.

« Summer in February » : déraison et sentiments

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movie challenge 2017

Au début du XX^esiècle, en Cornouailles, Lamorna est le lieu où se rassemble une communauté d’artistes bohèmes qui peignent des nus sur la plage et des chevaux dans la campagne. Lorsqu’arrive Florence, AJ Munnings et son ami le capitaine Evans rivalisent pour la séduire…

Movie challenge 2017 : un film avec un mariage

 Comme c’est assez souvent le cas chez moi, c’est le superbe casting de ce film qui m’a alléchée, bien plus que la perspective d’une histoire basée sur des faits réels dans le milieu de la peinture du début du XX^e siècle.

En effet, pour son troisième film, Christopher Menaul (plus connu comme réalisateur pour le petit écran), a réuni la moitié du casting de l’adaptation de Raison et sentiments par la BBC (j’en profite pour signaler que cette adaptation est largement meilleure que celle avec Hugh Grant). Je me réjouissais donc à l’idée de retrouver Dominic Cooper (connu pour son rôle dans Preacher), Dan Stevens et Hattie Morahan (tous deux vus récemment dans La Belle et la Bête). Je n’ai par ailleurs pas du tout reconnu Emily Browning (Florence), que j’avais pourtant déjà vue dans Les désastreuses aventures des orphelins Baudelaire (le film, pas la série Netflix).

Le film commençait bien, avec un gros plan intrigant sur le regard de Florence, puis des scènes de peinture au bord de la mer, et de soirées à réciter des poèmes entre artistes. J’aime toujours bien l’ambiance assez feutrée et élégante des films en costumes anglais, et je me suis donc sentie à mon aise dans celui-ci. Rapidement, on comprend ce qui se trame autour de la jeune femme qui a échappé à la volonté paternelle pour venir rejoindre son frère Joey et s’adonner à la peinture. J’aurais d’ailleurs bien aimé que cet aspect frondeur de la personnalité de Florence, très présent au début du film aussi bien lorsqu’elle raconte avoir refusé un prétendant que dans les piques qu’elle peut envoyer à AJ Munnings, ne se dilue pas totalement dans la suite du récit.

Car Florence, courtisée à la fois par le doux et raisonnable Gilbert Evans et par l’impétueux et autoritaire AJ Munnings, va semble-t-il perdre tout sens de la raison et se jeter à la tête du premier à lui faire sa demande, en dépit d’un évident penchant pour l’autre. À partir de la scène du mariage, le film devient assez mélodramatique et prévisible, sur fond de passion impossible et de tentatives de suicide. Comme toujours avec les biopics, j’ai été déçue de la tournure prise par les événements. Il m’a semblé que les personnages en venaient à manquer de cohérence, à perdre leurs qualités initiales et à agir de façon absurde. C’est tout le problème des êtres humains qui ne sont pas aussi « pensés » que les personnages purement fictifs, et donc pas aussi logiques dans leurs comportements (ni parfois aussi romanesques, mais ici ce n’est pas le problème).

En dépit d’un bon début, le film n’a pas su me tenir en haleine et s’est essoufflé à partir de son milieu, en tombant du côté mélo, un peu façon Bright Star. Mais on ne pourra pas lui reprocher d’avoir manqué de fidélité à la réalité.

J’ai touché le fond de « La Piscine »/« A Bigger Splash »

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movie challenge 2017

Marianne et Paul, couple riche et amoureux, profite des vacances au soleil dans une villa avec piscine. Mais leur intimité est troublée par l’irruption de leur vieil ami Harry et de sa fille, la jeune Penelope.

 Movie challenge 2017 : un remake ou un film ayant été l’objet d’un remake

Par principe, je ne suis pas fan des remakes : si un film existe déjà, pourquoi réutiliser la même histoire au lieu d’en inventer une nouvelle ? Mais comme je savais que La Piscine était disponible dans la DVDthèque paternelle, et que le casting hétéroclite d’A Bigger Splash me rendait curieuse, je me suis dit que c’était l’occasion de découvrir un classique du cinéma français. Je rappelle que je suis assez inculte en ce qui concerne tous les films plus vieux que moi, donc forcément, c’était mon premier Jacques Deray. Bon, je voyais quand même qui sont Alain Delon et Romy Schneider !

Le film partait plutôt bien, avec ces images écrasées de soleil – j’adore les images solaires, même surexposées, au cinéma – et ce couple fou amoureux, mais dont la relation ne m’a pas semblée très saine. Il faut dire que Jean-Paul (Delon) est tyrannique : il passe son temps à donner des ordres à Marianne, et semble dominateur dans leurs relations sexuelles (même si on ne voit pas grand chose de concret). Et puis arrive l’insupportable Harry, fêtard et séducteur invétéré, et sa fille (Jane Birkin) aux allures de biche effarouchée. Et là, au bout d’environ une demi-heure de film, la suite m’a parue évidente. Tellement évidente que je me suis ennuyée, suivant l’intrigue linéaire à coup de « eh voilà j’en étais sûre » jusqu’à LA scène de la piscine. Un peu d’action ! Je pensais que le film touchait à sa fin, mais non, il se fend ensuite d’une petite enquête policière dont je n’ai pas trop compris l’utilité. Si ce n’est peut-être de se dire que le couple Jean-Paul/Marianne est décidément bien malsain.

Et le remake, alors ? Ayant trouvé le premier film très prévisible dans son chassé-croisé amoureux, je craignais de m’ennuyer deux fois plus devant le second. Bonne nouvelle, j’ai plutôt plus accroché à l’histoire grâce à un rythme plus soutenu, un montage et des plans un peu plus imaginatifs et des flash-backs qui résolvent les ambiguïtés des relations entre les personnages. Là où le film de Deray ne faisait que suggérer et laissait ses protagonistes au rang de caractères esquissés, celui de Luca Guadagnino fait l’inverse : il nous montre, il nous explique, quitte à en dire trop et tuer le sentiment de mystère. Bref, il tombe dans l’excès opposé. Rien que l’évolution des professions des personnages (Marianne n’est plus journaliste mais rock star – aphone, ce qui donne à Tilda Swinton un rôle quasi muet… et quasi inconsistant ; Paul ne travaille pas dans la pub mais dans la photo, et Harry est resté producteur) les place clairement du côté de ces stars qui font n’importe quoi pour le fun. Quelques scènes sont restées identiques (Harry sautant dans la piscine en criant), mais pour le reste, j’ai souvent eu l’impression de voir une caricature. Harry (Ralph Fiennes, qui a dû bien s’amuser à danser comme un dégénéré) se donne en spectacle en permanence, il croit que tout lui est dû, il est à la fois pathétique et horripilant (bien plus que la version gentiment pénible de Maurice Ronet). Penelope (Dakota Johnson), auréolée de la rémanence de Fifty Shades, a perdu toute innocence au profit d’une sensualité provocante. Bref, le tout manque de subtilité. Sans surprise, le seul personnage qui tire son épingle du jeu est Paul (Matthias Schoenaerts). Alors que dans La Piscine, les deux hommes sont antipathiques, ici Paul est le gentil de l’histoire (en même temps, l’interprète de Gabriel Oak pouvait-il avoir l’air méchant ?). D’où une fin qui s’éloigne du film original, surprise bienvenue.

J’aurais peut-être préféré le remake, dans l’ensemble, s’il n’y avait eu cette volonté d’y insérer un message politique très maladroitement amené. Car nos happy few en goguette en Sicile croisent régulièrement les habitants modestes de l’île et les réfugiés, qui surgissent comme une vague menace à laquelle les riches ne s’intéressent guère… sauf quand il peut s’agir de rejeter la culpabilité sur eux. Bref, les riches sont des méchants égoïstes qui ne compatissent pas à la misère qu’ils ont sous les yeux… Mais que diable cette morale allait-elle faire dans cette galère ?

« Patients » : quand on a que l’humour

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Après avoir plongé dans une piscine, Benjamin se réveille tétraplégique. Au centre de rééducation, il s’accroche pour progresser, rêvant de rejouer au basket. Il rencontre d’autres handicapés avec lesquels il se lie d’amitié…

Movie challenge 2017 : un premier film

Tout le monde connaît Grand Corps Malade pour ses slams (même si pour ma part j’ai vraiment découvert sa plume sur son dernier album, Il nous restera ça), mais j’ignorais qu’il était également l’auteur d’un récit autobiographique, Patients, dans lequel il raconte sa rééducation après l’accident qui lui a laissé en souvenir une canne et son pseudonyme.

Passant derrière la caméra avec le réalisateur de ses clips, Mehdi Idir, l’amoureux des mots réalise un film à l’image de ses textes : tout en subtilité, en finesse, en pudeur malgré la crudité de certains faits, en solidarité et en courage, avec des dialogues aux petits oignons.

Comment faire un film qui ne soit pas tire-larmes sur un sujet aussi difficile que le handicap lourd ? Je craignais un peu l’excès d’émotion et de tristesse, façon Le Scaphandre et le papillon (le film de Julian Schnabel, pas le livre étonnamment lumineux de Jean-Dominique Bauby). L’émotion est là, certes, dans les gestes des parents de Ben, dans la déprime qui guette ou l’histoire de Farid, en fauteuil depuis ses quatre ans. Et pourtant, je n’ai pas versé une larme durant le film.

Car ce qui transparaît avant tout, c’est le courage de ces hommes brisés physiquement et l’absurdité de leur nouveau quotidien, incarné par des objets insoupçonnés des valides (la fourchette adaptée, le bac de douche…) et par les personnalités hautes en couleur du personnel du centre. Mention spéciale à Alban Ivanov en Jean-Marie, l’aide-soignant plein d’entrain qui ne cesse de bavasser à la troisième personne du singulier (« Il a bien dormi ? Je lui lève son volet… »).

Face à cette situation, Benjamin dispose d’une arme redoutable : un humour indéboulonnable. Au point que j’ai failli trouver que, tout de même, c’était un peu exagéré, ce jeune homme qui ne craque jamais. Mais la psychologie du personnage nous est peu à peu dévoilée, de sorte qu’elle ne perd jamais en cohérence. Si Ben tient bon, c’est qu’il a de l’espoir et s’accroche à ses rêves.

Des acteurs du film, je ne connaissais qu’Alban Ivanov et Yannick Rénier (le kiné toujours encourageant et souriant qui redonne le moral aux patients). J’ai découvert une brochette de talents très naturels, qui incarnent des personnages auxquels on croit. Pablo Pauly est tellement le personnage de Ben que je ne l’ai pas reconnu, alors que je l’avais déjà vu dans Discount et Carole Matthieu. À ses côtés, Soufiane Guerrab, Moussa Mansaly, Nailia Harzoune, Frank Falise, la liste est un peu longue mais tous méritent d’être cités, car ils apportent au film ce mélange si bien dosé de rire, d’émotion et d’authenticité.

Une belle réussite que ce premier film, qui nous rappelle que même si le corps lâche, il nous restera ça, l’esprit alerte et le bon mot toujours au coin des lèvres.

 

« Hippocrate » : l’hôpital malade ?

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Lorsque Benjamin entre comme interne dans le service que dirige son père, il pense que tout va se dérouler parfaitement. Mais rapidement, il se sent concurrencé par Abdel, médecin étranger au rang d’interne, et un patient décède dans le service pendant sa garde…

Movie challenge 2017 : un film engagé

J’avais eu envie de voir le film de Thomas Lilti dès sa sortie en salles. Non pas que l’univers médical m’attire particulièrement (encore que, j’ai beaucoup regardé « Le Journal de la Santé » à une époque) mais cela m’intéressait de savoir quel regard portait un médecin cinéaste sur la médecine d’aujourd’hui.

C’est à travers les yeux de Benjamin, jeune interne d’abord enthousiaste, que le spectateur découvre l’hôpital. On comprend vite que le travail ne manque pas, que le personnel est souvent débordé, les lits trop peu nombreux et le matériel parfois défectueux. Rapidement, le jeune homme un peu trop sûr de lui et naïf va être confronté à des difficultés sérieuses voire des cas de conscience. C’est ce qui contribue à rendre le personnage plus attachant au fil du film. Vincent Lacoste, la bonne surprise de Victoria, propose une performance nuancée, avec une belle évolution vers l’âge adulte. Car Hippocrate est un film d’apprentissage, évidemment.

Mais c’est aussi un film très documenté, presque documentaire, sur l’hôpital d’aujourd’hui. On y voit aussi bien les coutumes des étudiants en médecine, leur façon de décompresser entre soirées alcoolisées et humour salace, que la réalité des cas médicaux qui se présentent et des décisions qui participent à la gestion d’un service. J’ai trouvé vraiment pertinent ce traitement ultra réaliste qui nous plonge dans la vie quotidienne, sans pour autant perdre le fil dramatique.

Lorsque l’opposition initiale entre Benjamin et Abdel évolue, le film se fait peu à peu plus qu’une retranscription réaliste, un véritable manifeste pour la survie d’un service public hospitalier de qualité. Abdel (Reda Kateb, césarisé pour ce rôle) incarne le médecin par lequel, à l’instar de Mme Richard, nous aimerions tous être soignés : humain, attentif, efficace, rigoureux, il est tout entier dévoué à ce qu’il considère comme une « malédiction » plus qu’une profession. C’est cette conception de la médecine que défend le film, contre la ligne tenue par le directeur de l’hôpital, qui ne pense qu’à suivre les textes et faire des économies.

J’ai également apprécié de retrouver dans des petits rôles certains jeunes acteurs que j’avais déjà repérés, tels que Félix Moati (Libre et assoupi, À trois on y va) et Fanny Sidney (Dix pour cent).

Certes, on pourra reprocher au film une certaine lenteur, le temps d’installer les situations pour les creuser jusqu’au bout, jusqu’à l’accélération des événements qui conduit au dénouement. Pour ma part c’est un long-métrage engagé comme je les aime, et comme je trouve qu’il en faudrait davantage !

« Moonlight » et son Oscar politique

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Chiron, dit little, tente d’échapper aux brimades de ses camarades qui l’identifient comme homosexuel. En se cachant dans un squat, il rencontre Juan, un dealer, qui devient la figure paternelle qui manquait à l’enfant.

 Movie challenge 2017 : un film ayant obtenu un Oscar

Forcément, je ne suis pas complètement objective face à ce film. Forcément, parce qu’ayant adoré La La Land, l’erreur d’annonce pour l’Oscar du meilleur film ne m’a pas du tout amusée. En soi, Moonlight m’intriguait, mais c’est clairement cet Oscar qui m’a décidée à le voir maintenant, afin de pouvoir affiner mon avis sur la question.

On a dit que Moonlight est une révolution parce que l’entièreté du casting est noire. Je ne sais pas si c’est le premier film dans ce cas, en tout cas cela ne m’a absolument pas frappée, ce qui est plutôt une bonne nouvelle. On suit l’histoire de personnages, et leur couleur de peau, si elle est rappelée de temps en temps (notamment dans le dialogue qui donne son nom au film, où il est dit qu’un noir paraît bleu au crépuscule), n’est pas un élément si capital. En effet, la question du racisme est évacuée (puisque tous les personnages ont la même couleur) au profit de celle de l’orientation sexuelle (supposée ou réelle).

Je comprends que Moonlight ait reçu l’Oscar du meilleur scénario adapté (d’une pièce de théâtre, ce qui explique la composition en trois chapitres qui évoquent trois actes), car, sur le papier, l’histoire est vraiment prenante. On suit le destin d’un jeune homme qui évolue dans un milieu familial déséquilibré (il n’a pas de père et sa mère se drogue et se prostitue), qui semble différent des autres et subit de ce fait des brimades quotidiennes. De l’enfant fragile à l’homme qui a su en imposer, Chiron évolue sous le regard du spectateur, au gré des rencontres. Le prénom du personnage principal n’est sans doute pas anodin. En grec, Chiron vient du mot « main » (celle qui frappe ou celle qui caresse…) et il est un centaure (être pluriel) d’une grande sagesse, qui vit dans une grotte (isolé). Les trois acteurs qui incarnent le personnage aux différents âges sont tous justes, même si la transformation physique radicale est dure à admettre. D’ailleurs tous les acteurs sont très bien, en particulier Mahershala Ali, oscarisé pour son rôle de Juan. Dommage que ce personnage de dealer au grand cœur n’apparaisse que durant la première demi-heure, j’aurais bien aimé le voir davantage creusé.

Et j’arrive là à l’un des problèmes fondamentaux du film selon moi. À force de couper net, d’une scène à l’autre, voire d’une époque à l’autre, Barry Jenkins empêche le spectateur de se plonger vraiment dans l’histoire. J’ai eu l’impression de survoler le film, comme si on me faisait un résumé. Et en même temps, je me suis clairement ennuyée. En cause, un tempo très lent, une action réduite au minimum et des dialogues assez limités. Je comprends que le choix de rendre Chiron mutique fasse partie du caractère du personnage, mais c’est un inconvénient pour le spectateur, qui ne sait pas ce qu’il pense ni ce qu’il ressent. Le montage, qui alterne trouvailles et maladresses, a accentué chez moi l’impression d’être en attente de quelque chose… qui n’arrive pas, ou si peu. Quelques très jolies scènes poétiques (en gros, celles au bord de la mer), soulignées par une superbe bande originale, m’ont donné l’espoir que le film allait décoller et devenir bouleversant, mais à chaque fois le montage me coupait dans mon élan. La fin du film m’a aussi laissée sur ma faim, avec un sentiment de frustration. À force de pudeur, Moonlight a bien peu à offrir au spectateur avide d’émotions. J’ai eu l’impression que, comme son personnage principal, le réalisateur pratiquait l’art de l’esquive. Et qu’à force, il finissait par esquiver le grand film que son sujet lui offrait pourtant sur un plateau !

Alors, cet Oscar du meilleur film ? Immérité à mes yeux. Surtout quand, en face, il n’y avait pas seulement La La Land, mais aussi Premier contact et Manchester by the sea (et d’autres que je n’ai pas vus). Reste une explication tout à fait logique : la menace de relancer la polémique #Oscarssowhite brandie par les médias si Moonlight n’était pas récompensé, et la volonté, sans doute, pour Hollywood, de faire un pied de nez au président américain en promouvant un film sur un noir homosexuel (là-dessus, je n’irai pas leur donner tort). Il n’empêche que, si politiquement, le choix peut se révéler pertinent, c’est accorder peu de valeur au septième art que de le réduire au vecteur d’un message.

Séance commune : « The Grand Budapest Hôtel »

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movie challenge 2017, séance commune

Venu passer quelques jours au célèbre Grand Budapest Hôtel, un écrivain entreprend le propriétaire afin de connaître l’histoire de l’hôtel. Tout commence lorsque Zero Moustafa est embauché par le concierge…

Movie challenge 2017 : un film d’action/d’aventure

J’avais prévu ce film pour la catégorie du Movie challenge « un film avec un(e) acteur/trice que je déteste », en raison de la présence au casting de Léa Seydoux, l’actrice française qui m’insupporte le plus.

Et puis ce film a été choisi pour le Popcorn CinéClub du mois de mars, ce qui tombait à pic. J’avais hâte de le voir (en dépit de Léa Seydoux), car j’avais déjà failli le visionner plusieurs fois, et j’en avais entendu le plus grand bien. C’était donc pour moi l’occasion d’enfin découvrir l’œuvre de Wes Anderson.

Finalement, après l’avoir vu, j’ai décidé de le changer de catégorie, pour deux raisons. La première, c’est que Léa Seydoux apparaît à peine dans deux scènes, donc on ne peut pas dire que j’ai eu un réel effort à faire pour la supporter. La deuxième est que ce film s’est révélé assez différent de ce que j’imaginais, et c’est ce que j’ai voulu souligner en le plaçant dans la catégorie « aventure ».

En effet, si le début du film se situe bien dans le Grand Budapest Hôtel, la suite nous fait parcourir toute la Zubrowka, une république fictive censément inspirée des œuvres de Stefan Zweig, à l’aube d’une guerre (dans les années 30, toute ressemblance avec la Seconde Guerre mondiale ne serait donc pas vraiment fictive). Le sympathique Zero (Tony Revolori), dévoué corps et âme à son employeur Gustave H. (Ralph Fiennes, qui trouve là un rôle moins sérieux que ce à quoi il nous avait habitué), le suit à l’enterrement d’une des clientes habituées du palace. C’est le début des ennuis, puisque la famille de la défunte, Dmitri (Adrien Brody) en tête, ne supporte pas que Gustave fasse partie des héritiers, et lance à ses trousses un terrible tueur (Willem Dafoe).

Dès lors, Zero raconte la course-poursuite de plus en plus rocambolesque qui voit intervenir tout un tas de personnages (tous incarnés par de grands acteurs, pêle-mêle Tilda Swinton, Bill Murray, Mathieu Amalric, Edward Norton, Owen Wilson…) et des lieux improbables (prison, trains, église, téléphérique…). Wes Anderson semble s’amuser comme un fou à promener ses personnages dans des univers très graphiques (on se croirait dans une BD), aux ambiances léchées. Certes, on devine le fond derrière la forme, et on n’a pas le temps de s’ennuyer dans cette cavalcade menée tambour battant, mais il m’a tout de même manqué quelque chose pour adhérer tout à fait aux péripéties. J’ai toujours un peu de mal avec les univers cinématographiques extrêmement marqués, comme avec Jean-Pierre Jeunet par exemple, et le côté surréaliste de l’histoire m’a laissée perplexe. Ce qui m’a raccrochée en cours de route, c’est la présence de l’exceptionnelle Saoirse Ronan, qui crève toujours autant l’écran, même dans un rôle secondaire.

En définitive, même si j’ai passé un bon moment, je n’ai pas été aussi emballée par ce long-métrage que je m’y attendais, et je ne comprends pas vraiment pourquoi tout le monde crie au génie. Mais si vous avez des explications, n’hésitez pas à me les laisser en commentaires !