« Comme une image » : l’écrivain, un père pas comme les autres

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#MC18, movie challenge 2018

Lolita rêve de devenir chanteuse lyrique, et prend des cours auprès de Sylvia, qui ne croit guère en son talent. Jusqu’au jour où elle découvre que son élève est la fille d’Étienne Cassard, célèbre écrivain et éditeur. Cela tombe bien, le mari de Sylvia est auteur… 

Movie challenge 2018 : un film réalisé par une actrice qui joue dedans

Après ma découverte de Place publique, j’ai décidé d’explorer plus avant la filmographie de Jean-Pierre Bacri, et en particulier ses collaborations avec Agnès Jaoui. J’ai commencé par Comme une image, qui me permettait de remplir cette catégorie du Movie challenge, et de mettre à l’honneur une réalisatrice française de talent.

Ici c’est une histoire de famille qui nous est encore une fois racontée au travers d’un film choral dans le milieu de l’édition et des écrivains, un sujet qui m’intéresse forcément tout particulièrement. J’ai trouvé la charge assez juste et bien vue contre ces gens souvent imbus d’eux-mêmes (Bacri et Laurent Grévill), plus ou moins déprimés, qui ne pensent qu’à leur carrière et sont prêts à se vendre à la télévision pour mieux la faire décoller. Au-delà de ce propos un brin amer, la réalisatrice explore la relation entre l’écrivain, sa cour (le souffre-douleur aka l’assistant, incarné par Grégoire Oestermann, un des éternels seconds rôles du cinéma français, la groupie : Agnès Jaoui, l’éditrice : Michèle Moretti), et sa famille : sa grande fille Lolita, personnage central du film, sa jeune épouse Karine (Virginie Desarnauts).

Étienne est un père peu présent pour Lolita, et la jeune femme n’a de cesse d’essayer d’attirer son attention par ses réussites (en particulier son talent pour le chant) ou en accourant dès qu’il l’appelle au secours, trop heureuse de lui être utile. Par ailleurs, Lolita manque de repères familiaux et trouve un modèle en Sylvia, qui, comme les autres, ne s’intéresse à elle que pour son père.

Comme dans un jeu de quilles, chacun fait rebondir ses souffrances, ses déboires, ses frustrations et son égocentrisme sur les autres : Lolita (Marilou Berry) souffre de l’absence de reconnaissance paternelle et le fait payer à Sébastien, son soupirant ; Pierre sacrifie son ami Félix et son éditrice Édith dès lors qu’Étienne a posé les yeux sur lui et accepté de l’aider à faire décoller sa carrière, on sent bien que Sylvia serait prête à quitter son mari pour Étienne, si celui-ci n’avait pas d’yeux que pour les jeunettes comme Karine, qu’il se permet de molester verbalement à l’envi, la considérant comme son faire-valoir.

C’est certes assez méchant mais c’est surtout férocement drôle, avec des répliques cultes du style « J’ai écrit deux phrases, j’étais content et puis je me suis rendu compte que je les avais déjà mises dans un précédent livre » ou encore « Il y a du cyanure dans la salle de bains ! »

Je ne m’attendais pas à rire autant et j’ai vraiment passé un bon moment devant cette comédie de mœurs aussi réjouissante qu’acide.

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« Avant que de tout perdre » : tout quitter

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#MC18, movie challenge 2018

Julien sort discrètement de chez lui et va se cacher sous un pont voisin. Quelques instants plus tard, sa mère le récupère en voiture et va chercher à l’arrêt de bus Joséphine, la grande sœur de Julien… 

Movie challenge 2018 : un court-métrage

Marquée comme beaucoup de spectateurs par Jusqu’à la garde, la claque du début d’année, j’avais découvert par la suite que le film s’appuyait sur Avant que de tout perdre, court-métrage multi-primé de 2013, mettant en scène les mêmes personnages centraux et constituant en quelque sorte le début de l’histoire.

Et en effet, les mêmes personnages sont incarnés par les mêmes acteurs, à l’exception de Julien (Miljan Chatelain dans le court, Thomas Gioria dans la suite). La réalisation et le montage de Xavier Legrand sont conformes à ce qui apparaissait dans Jusqu’à la garde : une sobriété, un réalisme et un sentiment d’urgence dominent l’ensemble des 30 minutes, qui passent en un clin d’œil pour le spectateur.

La particularité de ce court-métrage, par opposition au film sorti en salles auquel il a donné lieu, c’est que, d’emblée, nous comprenons la situation et nous savons distribuer les torts. Là où Jusqu’à la garde démarrait sur un doute dans la salle d’audience de la juge, laissant au spectateur le temps d’élaborer plusieurs hypothèses et de douter des versions de chacun, ici, nous savons dès l’abord qui a commis quoi et pouvons identifier « les gentils » et « le méchant » de façon bien plus manichéenne.

Film sous tension, faisant grimper le stress à coup de sonneries de téléphone (un accessoire très présent également dans le long-métrage), Avant que de tout perdre met le doigt sur une réalité que personne n’a envie de voir, celle des femmes violentées qui un jour finissent par décider de partir pour se protéger et protéger leurs enfants. Ici, le réalisateur choisit de doter Miriam d’un entourage professionnel globalement bienveillant, puisqu’elle vient trouver refuge sur son lieu de travail et que ses collègues et sa hiérarchie se montrent tous compréhensifs voire complices pour l’aider à surmonter cette épreuve. Compte tenu du niveau de stress présenté dans le film, on n’ose imaginer ce que l’histoire aurait pu être sans ces complicités…

Un premier film à la fois intime et social, qui a permis à son réalisateur d’aboutir à un long-métrage encore plus fort, donnant plus de place aux enfants.

« The Great Gatsby » : « même si tu revenais… »

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#MC18, movie challenge 2018

Nick Carraway arrive de l’Ouest américain pour travailler à New York, et y retrouve sa cousine Daisy, mariée à Tom. Elle lui présente son amie Jordan, golfeuse, qui connaît Gatsby, le richissime voisin de Nick…

Movie challenge 2018 : un remake ou un film qui a fait l’objet d’un remake

Après avoir lu le roman de Scott Fitzgerald le mois dernier, j’ai enfin pu me lancer dans une étude comparative des deux adaptations les plus connues, celle de Jack Clayton (1975) et celle de Baz Luhrmann (2013).

Sur le papier, je craignais un peu que la première ait beaucoup vieilli et que la deuxième n’en fasse trop. J’ai toujours eu du mal avec les films de Baz Luhrmann, que je trouve généralement excessifs et maladroits dans leur mise en scène extravagante.

Ce que je n’avais tout de même pas prévu, c’est de piquer du nez devant le film de Jack Clayton. Certes, les décors sont très bien choisis : la maison de Nick et celles de Daisy correspondent exactement à ce que j’avais en tête à la lecture (celle de Gatsby un peu moins), et les acteurs également, en particulier Jordan Baker, dont les saillies pétillantes rajoutent du sel aux dialogues. Le film a beau être dans l’ensemble très fidèle au texte, parfois au mot près, de la scène d’ouverture aux dialogues les plus mémorables, le réalisateur a ajouté des longueurs superflues en se détachant du point de vue de Nick. En effet, il a inséré des scènes en tête-à-tête entre Gastby et Daisy, où le narrateur n’est pas présent, et qui semble un peu mièvres et surannées, au point de perdre l’attention du spectateur. Robert Redford incarne un Gatsby très sobre alors que Mia Farrow minaude avec une voix de fillette insupportable et que Bruce Dern peine à remplir le costume du « lourdaud » Tom Buchanan. J’ai donc eu du mal à suivre les 2h18 du film sans m’endormir, et j’ai trouvé que, malgré l’atmosphère très bien rendue des fêtes de Gatsby, le film passait à côté d’une partie du récit en occultant la jeunesse de Jay.

De son côté, le film de Baz Luhrmann a été assez conforme à mes attentes, aussi bien dans ses qualités que dans ses défauts. À l’exception de Jordan, plus froide et en retrait que dans la version de Clayton (Elizabeth Debicki n’était déjà physiquement pas le bon choix pour incarner la golfeuse bronzée et sportive), le casting m’a semblé nettement mieux choisi dans ce film pour rendre les personnages vivants et attachants. Le tandem Maguire-Dicaprio, notoirement amis à la ville, est une très bonne idée pour rendre compte de l’admiration de Nick pour son voisin et de l’attachement progressif entre les deux hommes. Clairement, Leonardo Dicaprio, qui possédait encore à l’époque un peu de l’expression juvénile de Titanic, est LE choix idéal pour incarner le sourire chaleureux, le romantisme conquérant et la filouterie parfois brutale de Gatsby. Face à lui, Carey Mullighan campe une Daisy plus sympathique et manifestement éprise que Mia Farrow. La crédibilité du couple est renforcée par les flashbacks, qui mettent en lumière leur rencontre et le passé de Gatsby depuis l’enfance. Je n’ai pas été dérangée par le parti-pris qui fait de Nick l’auteur du roman, et j’ai même trouvé assez élégante la façon de surimprimer les phrases les plus lyriques du livre à des plans très esthétiques. Clairement, il y a de très belles choses dans ce film, en particulier la scène d’ouverture avec la lumière verte, qui copie, en mieux, celle de Clayton. Hélas, le film pèche par ce qui m’a toujours exaspéré chez Luhrmann : une débauche d’effets, de mouvements de caméra dans tous les sens, de costumes délirants aux couleurs criardes (la fête dans l’appartement de Myrtle ressemble à une parodie façon Le cœur a ses raisons), et sa bande-originale tapageuse qui fatigue les tympans à coups de remix vaguement charleston de tubes du moment : une fois encore le mélange des époques ne sert à rien qu’à sortir le spectateur de l’histoire.

Bref, l’adaptation idéale aurait sans doute été intermédiaire entre le côté un peu mièvre et lisse de Clayton et le délire pourtant bien incarné de Luhrmann.

« Plaire, aimer et courir vite » : dommage, dommage

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#MC18, Cannes 2018, movie challenge 2018

Jacques, écrivain, est envoyé à Rennes pour une adaptation théâtrale d’un de ses textes. Il y rencontre Arthur, un étudiant qui tombe sous son charme immédiatement. Après une nuit ensemble, ils promettent de se téléphoner…

Movie challenge 2018 : un film avec un verbe à l’infinitif dans le titre

Ah, comme j’avais hâte de découvrir ce film, l’un des quatre longs-métrages français en compétition à Cannes ! Sur le papier, il avait tout pour me plaire : un sujet qui rejoint par bien des points plusieurs films que j’aime beaucoup, et un tandem d’acteurs inédit très prometteur : Vincent Lacoste (Hippocrate, Victoria) et Pierre Deladonchamps (Le fils de Jean, Nos années folles). J’avais tellement hâte que j’en occultais presque mon peu d’atomes crochus avec l’univers de Christophe Honoré, dont j’avais détesté La Belle personne et dont Les Malheurs de Sophie m’avaient laissée sceptique.

Dès le générique, à la fois vintage et moderne, j’ai entrevu une constante du film qui allait me poser un sérieux problème : le montage, et en particulier celui de la musique. Toutes les chansons, ou presque, sont coupées brutalement, pour passer à autre chose. Alors, certes, le film porte « courir vite » dans son titre, mais là, on a presque l’impression qu’il faudrait courir plus vite que lui pour ne pas se laisser surprendre par ces coupes nettes. Vous me direz, la bande-son ne fait pas tout. Non, mais finalement, cette tendance au coïtus interruptus se manifeste également dans les autres aspects du film : dans ces mouvements de caméra qui se déportent du personnage encore en train de parler, dans cette façon d’arrêter les scènes juste au moment où l’émotion allait attraper le spectateur (provoquant chez moi un agacement rappelant Moonlight) ou alors qu’il se remettait encore d’un fou rire.

Car oui, c’est la bonne surprise : le film d’Honoré, en dépit de son sujet (car finalement il est presque plus question de maladie et de déclin que d’amour), réussit à faire jaillir des moments légers voire franchement comiques, et ce sont à mes yeux les scènes les plus réussies du film : les moments de délire d’Arthur, quand il se met à chanter ou danser, et surtout la scène de la chorégraphie (dont on ne saura jamais d’où elle sort ni à quoi elle sert) qui met en lumière le personnage à mes yeux le plus touchant du film, le voisin et ami de Jacques, interprété par un Denis Podalydès looké façon Jean-Claude Dusse.

Ce qui me pose problème, c’est qu’alors que l’intrigue avait tout pour me tirer des larmes, j’ai finalement ressenti bien peu d’émotion. Ni les étreintes répétitives ni les envolées sentimentales n’auront réussi à m’attacher un tant soit peu à Jacques et Arthur, qui m’ont tous deux semblé relativement vains et égocentrés.

De plus, j’ai vu Christophe Honoré parler de « sortir des clichés » sur l’homosexualité mais ce n’est pas l’impression que m’a donné le film. D’une part, celui-ci associe clairement l’orientation sexuelle au sida (étant donné qu’aucun personnage hétéro séropositif n’est présenté), d’autre part la liberté sexuelle des personnages me semble également relever des caractéristiques que les stéréotypes attribuent aux hommes homosexuels. Clairement, pour un éveil des consciences au problème du sida, 120 battements par minute est nettement plus percutant car il traite le sujet de façon plus complète avec des profils variés. Quant à la « normalisation » de la représentation des romances gay, les jeunes seront sans doute plus touchés par un Love, Simon (à découvrir le 27 juin).

« The man from U.N.C.L.E » : à agent, agent et demi

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#MC18, movie challenge 2018

L’agent américain Solo est envoyé en Allemagne de l’Est pour convaincre Gaby, une jeune mécanicienne, qu’elle doit l’aider à retrouver son père, un scientifique capable de mettre au point une bombe nucléaire. Ils sont pourchassés par un espion russe…

Movie challenge 2018 : un film adapté d’une série

C’est complètement à mon insu que j’ai rempli cette catégorie du Movie challenge qui semblait partie pour me donner du fil à retordre. Je n’avais jamais entendu parler de ce film, sorti en 2015, riche année pour les comédies d’espionnage (Kingsman en particulier). Jusqu’à ce que deux amies se mettent en tête de me le « vendre ». Un film d’espionnage… moi qui ai horreur de James Bond ? Pendant la Guerre Froide… alors que j’ai une prédilection pour les histoires contemporaines ? Avec Henry Cavill… qui ça ? Et puis elles ont sorti le combo gagnant Armie Hammer et Alicia Vikander, et forcément, j’ai cédé. J’étais évidemment curieuse de découvrir l’Américain dans une autre peau que celle d’Oliver (Call Me By Your Name) et la Suédoise est depuis Royal Affair un argument qui marche à tous les coups (j’en profite pour faire une parenthèse : pitié, sortez-nous le DVD de Tulip Fever en France !).

C’est donc avec curiosité mais sans trop d’attentes que je me suis posée devant ce film, à la recherche d’un divertissement. Honnêtement, le long-métrage de Guy Ritchie fait le job. J’ai passé un bon moment à suivre les rebondissements de cette histoire d’espions à triple bande. Certains revirements de situation sont prévisibles, d’autres moins (oui je me suis fait avoir une fois ou deux), mais globalement ce n’est pas le suspense qui fait la valeur du film. On se doute que Solo et Illya s’en sortiront à tous les coups ! Mais on s’amuse bien à suivre ce duo chien et chat perturbé par la demoiselle qu’ils sont censés protéger et qui les mène par le bout du nez. On pourrait critiquer le choix d’un trio d’acteurs dont aucun n’a la nationalité de son rôle, mais l’alchimie entre les trois est vraiment plaisante. J’avoue avoir eu une petite préférence pour Illya, qui cache sous des dehors brutaux une forme de sensibilité que sait titiller Gaby, alors que Solo m’a rappelé certains côtés qui font que j’ai horreur de James Bond, en particulier son rapport aux femmes (et ce n’est pas étonnant, il est né comme 007 de la plume d’Ian Fleming). Par ailleurs, l’apparition d’Hugh Grant est assez amusante.

Côté réalisation, c’est dynamique, avec des plans filmés comme des planches de BD, un mélange de vintage et de modernité dans le visuel et dans le son, et une façon de cacher certains éléments au spectateur pour les lui révéler façon « scènes coupées » peu après, qui permet de maintenir une forme d’attente (même si au bout d’un moment le procédé devient un peu facile).

Sans bénéficier de la folie de Kingsman, The man from U.N.C.L.E reste un bon divertissement qui a le mérite d’être moins sexiste, avec un rôle à tiroirs pour Alicia Vikander et une femme à la tête des « méchants » (Elizabeth Debicki). On pourrait toutefois pousser encore un peu la parité car ce sont souvent les hommes qui finissent par avoir le beau rôle. On espère donc une suite pour corriger les petits défauts ! J’avoue que c’est seulement après le visionnage que j’ai découvert que le film était le prequel d’une série, je ne sais donc pas si l’univers de celle-ci est fidèlement respecté.

« Una » : la seule et l’unique

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#MC18, movie challenge 2018

Una recherche Ray, ancien voisin et ami de son défunt père, qu’elle n’a pas revu depuis ses 13 ans et avec lequel elle avait eu une relation secrète…

Movie challenge 2018 : un film dont le titre contient un numéro

J’avais repéré dans la filmographie de Rooney Mara ce long-métrage qui n’est pas sorti en salles en France, et je l’avais directement associé à cette catégorie du Movie challenge, avant de découvrir en visionnant le film qu’ « Una » est en fait le prénom de la jeune femme. Cependant il me semble que le choix de ce nom est totalement symbolique et renvoie bien au chiffre une, car c’est toute la problématique de la confrontation entre Una et Ray, devenu Peter.

Trigger warning : le film aborde un sujet extrêmement risqué, puisqu’on comprend rapidement que Ray a entretenu une liaison avec Una alors que celle-ci avait 13 ans. On est donc dans le cadre d’abus sexuel sur mineure, qui a d’ailleurs été jugé comme tel et valu à l’homme quelques années de prison.

On pourrait donc légitimement penser que, si Una veut retrouver Ray, c’est pour le confronter en tant qu’agresseur et lui demander des comptes pour avoir abusé de son innocence.

Or, à travers l’alternance de la conversation tendue entre les deux personnages adultes, et de leurs souvenirs mettant en scène des versions plus jeunes d’eux-mêmes, ce n’est pas vraiment le prisme que choisit le film. Certes, Una aborde la question de la relation sexuelle qu’ils ont eu d’abord en termes d’abus, allant jusqu’à sous-entendre que Pete serait un pédophile. Mais l’homme s’en défend, arguant qu’elle a été la seule fille de cet âge qu’il ait pu désirer.

J’ai trouvé l’évolution assez prévisible vers ce nouveau prisme de lecture de leur relation, car dès le début, j’avais bien senti que ce que Una reprochait à Ray, c’était moins leur relation que la fin de celle-ci. Au fond, ce que veut savoir la jeune femme, c’est pourquoi l’homme a disparu brusquement de sa vie, alors qu’ils projetaient de s’enfuir ensemble. C’est comme si l’adolescente éprise de son voisin n’avait jamais fait le deuil de cette relation répréhensible. Si elle veut être certaine qu’elle a bien été la seule, l’unique, ce n’est pas pour éviter à d’autres jeunes filles cette situation mais davantage par jalousie, semble-t-il.

Si Rooney Mara et Ben Mendelsohn livrent des prestations investies, cela ne m’a pas suffi pour adhérer au film. Je n’avais a priori rien contre ce sujet assez glauque, mais le huis clos dans les bureaux de Peter a fini par me lasser, au point d’avoir un peu piqué du nez, à mesure que le film devenait prévisible.

Ce que j’ai préféré, ce sont finalement les passages relatifs aux souvenirs avec l’énigmatique et lumineuse Ruby Stokes (Una adolescente).

« Place publique » : la rançon du succès

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#MC18, movie challenge 2018

Castro, animateur sur le déclin, est convié à la crémaillère de sa productrice Nathalie, qui est aussi la sœur de son ex-femme, Hélène. Ils y retrouvent le gratin parisien ainsi que leur fille, Nina, qui vient d’écrire un livre… 

Movie challenge 2018 : un film avec un acteur que j’adore

Pour cette catégorie du Movie challenge 2018, le terme « que j’adore » est très clairement exagéré dans mon cas. Rares sont les acteurs que j’apprécie vraiment beaucoup et dont je suis avec intérêt toute la filmographie. Je ne sais même pas s’il existe un seul acteur dont j’aurais vu tous les films, c’est dire. Et puisque je ne vais pas vous parler d’Heath Ledger tous les ans (et que j’ai assez pleuré), j’ai décidé de changer un peu de registre et d’accorder cette catégorie flatteuse à un acteur que j’ai découvert en fait assez récemment et qui me fait beaucoup rire : Jean-Pierre Bacri.

Je l’avais vu pour la première fois dans le bizarre La vie très privée de Monsieur Sim où il m’avait déjà fait rire mais c’est dans Le Sens de la fête (et d’autant plus en l’entendant parler lors de l’avant-première) que je l’ai trouvé vraiment très drôle. D’ailleurs, à voir la bande-annonce, il me semblait que Place publique s’inscrivait dans la même veine du « film choral autour d’un événement festif » que le récent Toledano-Nakache. Une bonne raison d’y aller, donc, d’autant plus que c’était mon premier Jaoui-Bacri (bien sûr, j’ai prévu de voir Un air de famille depuis longtemps, il est quelque part dans ma – très – longue LAV (oui, après la PAL, j’inaugure le terme de Liste À Voir)).

Je remercie donc vivement mon partenaire Le Pacte qui m’a permis d’aller découvrir ce film en salles. J’ai vraiment passé un excellent moment, même si finalement le film n’est pas si proche du Sens de la fête que je l’avais imaginé. Certes, on retrouve Bacri en grande forme, toujours aussi ronchon en présentateur télé sur le retour, accompagné de Kévin Azaïs, ici son patient chauffeur dont on pressent rapidement l’arc narratif, mais que l’on suit avec plaisir tout de même.

Le film réussit à allier plusieurs niveaux de comiques, avec des blagues très premier degré qui fonctionnent parfaitement grâce au rythme millimétré (la conversation au sujet des espèces en voie d’extinction, par exemple), un comique de répétition avec Samantha, la serveuse-groupie, un comique de gestes avec le voisin agriculteur qui broie la main des invités… Mais aussi, surtout, un humour plus grinçant dans la satire de ce milieu de Parisiens qui viennent se mettre au vert et imposer leurs festivités au tranquille voisinage. Étant moi-même Parisienne d’adoption, je me suis reconnue dans le côté égocentré de ce milieu (et aussi dans les casseroles du karaoké !). En plus de passer au vitriol ces mondains qui ne jurent que par les apparences, l’orgueil et les réputations, Agnès Jaoui réussit à instiller des sujets importants avec une grande finesse, parfois en quelques minutes seulement : la fidélité, le désir de plaire et de rester jeune, la jalousie, les relations parents-enfants, l’immigration, les idéaux de gauche et le virage à droite qui accompagne souvent le vieillissement.

D’une grande richesse, le film a aussi le mérite de m’avoir fait découvrir Nina Meurisse (Nina), et de nous offrir quelques délicieuses reprises (« Les feuilles mortes », « Osez Joséphine ») au long d’une BO très bien choisie.

« Médecin de campagne » : un sacerdoce

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#MC18, movie challenge 2018

Jean-Pierre Werner est médecin de campagne et c’est pour lui comme une religion. Une tumeur au cerveau l’oblige à lever le pied et accepter l’aide de Nathalie, une consœur envoyée par son cancérologue pour le seconder…

Movie challenge 2018 : un film qui se déroule dans le milieu médical

Ayant beaucoup aimé Hippocrate, découvert grâce au Movie challenge de l’an dernier, j’avais bien sûr l’idée de découvrir Médecin de campagne. Je n’avais pas vu jouer François Cluzet depuis assez longtemps lorsque je suis allée voir Le collier rouge, et sa prestation m’a rappelé que le troisième long de Thomas Lilti m’attendait depuis bien trop longtemps.

J’ai retrouvé sans trop de surprises l’univers propre au réalisateur, sa prédilection pour le thème médical, même si ici l’hôpital n’est qu’un lieu secondaire. C’est une tout autre façon d’exercer la médecine que nous fait découvrir le cinéaste, sur les petites routes du Val d’Oise, en compagnie d’un praticien totalement absorbé par son travail. On retrouve également au casting des acteurs déjà présents dans Hippocrate, en particulier Marianne Denicourt (Nathalie) et Félix Moati (le fils de Jean-Pierre).

C’est d’ailleurs un très joli rôle que le réalisateur offre à Marianne Denicourt. Si jusqu’ici je n’avais jamais été frappée par cette actrice, je l’ai trouvée très juste dans ce personnage de battante, qui a repris des études sur le tard pour devenir médecin et, sans attaches, est prête à venir s’installer au fin fond de la campagne. Dévouée à ses patients, bien que faisant preuve d’un fort caractère et parfois de maladresse, on sent son implication émotionnelle dans des cas comme celui de Ninon, la jeune fille enceinte, ou du jeune autiste qui se prend pour un soldat de 14-18. Face à elle, François Cluzet campe un homme plus convaincant en médecin passionné qu’en malade : j’ai trouvé qu’il supportait étonnamment bien les traitements, car hormis le syndrome qui lui fait ignorer la moitié de son assiette, il semble assez peu malade.

Si la relation chien et chat entre les deux captive le spectateur, qui se doute rapidement que leurs préjugés vont s’effacer pour laisser place à de l’affection, l’ensemble reste subtil et fin, se contentant de quelques gestes et mouvements de caméra pour capter ce qui ne se dit jamais clairement, et tant mieux. Cette finesse m’a rappelé les films de Stéphane Brizé et particulièrement Mademoiselle Chambon, pour la pudeur de ses âmes simples.

Cela dit, l’essentiel du film est ailleurs, dans son aspect social et engagé, dans la droite ligne d’Hippocrate : ici, ce que dénonce le film, c’est la désertification médicale des campagnes, la difficulté à trouver des praticiens qui acceptent ce mode de vie si particulier, où un appel peut tomber jour et nuit pour une urgence, où la médecine s’accompagne d’un vrai rôle social, comme l’explique bien le fils de Jean-Pierre lorsqu’il dépeint son père comme une sorte de divinité de la petite communauté.

Encore une fois conquise par ce cinéma qui sonne vrai et juste, j’attends avec impatience le prochain film de ce réalisateur, qui se penchera sur les études de médecine dans Première Année, attendu en septembre.

« Merci patron ! » : à malin, malin et demi

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#MC18, movie challenge 2018

François Ruffin se présente comme un fan de Bernard Arnault à tout un tas de personnes qui ne sont pas de son avis : anciens employés de la Samaritaine, déléguée syndicale, chômeurs autrefois employés par une usine délocalisée… 

Movie challenge 2018 : un documentaire

Après Where to invade next, l’an dernier, j’ai choisi de persister dans la veine du documentaire sociologique en allant chercher encore plus engagé. C’est le poisson d’avril de François Ruffin, qui a fait croire à une journaliste qu’il comptait démissionner de son rôle de député, qui m’a rappelé l’existence de son film, que j’avais projeté de voir depuis sa sortie.

Ni une ni deux, me voici devant Merci patron !, ne sachant pas trop à quoi m’attendre. En tout cas, je ne m’attendais clairement pas au ton humoristique du film ! Pendant tout le premier acte (le film est découpé en 5 actes et un épilogue), on assiste à la rencontre bourrée d’ironie de François Ruffin avec ses protagonistes : il se présente comme un fervent défenseur de Bernard Arnault, avec un tee-shirt à son effigie, n’hésitant pas à affirmer à une femme qui lui montre les usines fermées où elle a autrefois travaillé que, si elle avait l’occasion de discuter avec le grand patron, elle se rendrait sûrement compte de son humanité. C’est féroce et grinçant, mais après avoir fait le tour des mécontents, cela aurait pu devenir lassant pour le spectateur. D’autant que le film n’est cinématographiquement pas un chef d’œuvre, avec un côté proche de l’amateurisme dans la technique et les « costumes », mais l’ambiance « système D » fait aussi partie de son charme.

Heureusement, le journaliste rencontre la famille Klur, et c’est là que Merci patron ! décolle véritablement et devient le phénomène qui a remporté un César. Les parents Klur sont l’archétype des gens modestes, qui n’ont jamais roulé sur l’or mais ont travaillé sans rechigner toute leur vie pour devenir propriétaires et assurer le minimum à leur fils. Jusqu’au jour où Bernard Arnault ferme l’usine locale pour délocaliser. Dans une région sinistrée, impossible pour le couple de retrouver un emploi. Pourtant, le père est prêt à tout faire, même tailler les haies de Bernard Arnault ou nettoyer le crottin de ses chevaux (il est riche, il doit bien avoir des écuries, non ?). À deux doigts de perdre sa maison, le couple devient pour Ruffin une aubaine scénaristique en même temps qu’une cause à défendre. S’ensuivent alors tout un tas de péripéties dans l’objectif d’obtenir de LVMH un dédommagement financier et au moins un emploi en CDI pour les Klur.

Aidé par le groupe Fakir et l’antenne locale de la CGT, le journaliste-réalisateur prouve qu’il a de la ressource et qu’il est futé, déjouant les pièges et les précautions des membres de LVMH envoyés pour négocier avec les Klur, sous la menace d’une alerte aux grands médias. On se prend à suivre l’aventure avec engouement et à espérer une issue positive pour ces gens méritants qui seraient prêts à « tout brûler, comme dans La Petite maison dans la prairie » plutôt que d’accepter que leur maison soit vendue à d’autres. Grinçant, combattif et réjouissant, Merci patron ! prouve que la revanche des laissés-pour-compte est parfois possible, et rien que pour ça, il fallait le faire !

 

« The Rider » : après la chute

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#MC18, movie challenge 2018

Brady Blackburn est un jeune dresseur de chevaux passionné par le rodéo. Lors d’une compétition, il tombe et reçoit un coup de sabot qui lui fracture le crâne. Interdiction pour lui de remonter à cheval…

Movie challenge 2018 : un film dont un personnage a le même nom/surnom que moi

Qu’est-ce qui m’a donné envie de voir ce film ? Avant d’apercevoir sa bande-annonce, je crois que j’étais déjà convaincue, rien que par la simplicité de l’affiche. Un homme, un cheval, un ciel plein de nuages. On remonte ici aux débuts de ma passion pour le cinéma, à l’époque où, après m’être prise d’un amour fou pour L’Homme qui murmurait à l’oreille des chevaux, j’ai vu tout un tas de films équestres (Spirit, Pur-Sang, Hidalgo…). Après mon enfance marquée par les « films de chiens », j’ai donc eu une période « films de chevaux ». Et je crois que c’est cette réminiscence qui m’a attirée dans la salle pour The Rider.

Ce film aurait pu avoir un autre argument de poids, mais je ne l’ai compris que pendant le visionnage, et confirmé à la sortie de la séance : The Rider n’est pas vraiment une fiction. Pas complètement un documentaire non plus. C’est un genre de docu-fiction, car Chloé Zhao fait jouer aux protagonistes leurs propres rôles dans un film qui raconte leur histoire. Tout est vrai ou presque, simplement rejoué quelques mois après les événements racontés. C’est la première fois que je vois cela au cinéma, et je dois dire que ça m’a pas mal impressionnée de comprendre peu à peu que les acteurs avaient vraiment vécu tout ce que je voyais à l’écran.

En effet, le film est assez dur, et d’autant plus lorsqu’on sait que ces événements ont réellement eu lieu. Dès la première scène, lorsque Brady dégrafe son pansement au crâne, dévoilant la longue cicatrice de son opération, on comprend qu’il vaudra mieux avoir le cœur bien accroché. Le film alterne ainsi des plans difficiles à soutenir (heureusement ils ne sont pas très nombreux) et des images sublimes, des moments de grâce, lorsque le soleil se couche sur les plaines, qu’un cheval rétif se laisse approcher ou que Lilly, la petite sœur de Brady atteinte du syndrome d’Asperger, livre une berceuse poétique.

Portrait d’un jeune homme qui doit se reconstruire en renonçant à ses rêves, d’une famille simple dans la tourmente, mais aussi d’une Amérique profonde terre-à-terre et passionnée, dans laquelle il ne fait pas bon montrer des signes de faiblesse, The Rider captive de bout en bout grâce à la sincérité de ses interprètes, et en particulier à l’intensité du regard de Brady. La façon de filmer de Chloé Zhao n’est pas étrangère aux émotions du spectateur, avec une caméra en mouvement, qui suit ses personnages de près et use du gros plan avec intelligence et empathie.

Un film âpre et bouleversant qui reste en tête après la séance.